Javier Marín es uno de mis escultores favoritos, mexicano, contemporáneo; sus esculturas no se como describirlas, es como observar colosos que están en esta tierra mostrando su fuerza y su expresividad, a continuación unas imágenes para que lo conozcan quienes no hayan oido de él.

Ahora el turno auno de los mas grandes pintores que nuestro pais ha dado, David Alfaro Siqueiros, uno de los más vanguardistas, en cuya obra se engloba la revolución social, cultural y artística, un personaje que nos ha heredado algo muy importante, y no al referirnos en sus técnicas innovadoras, sino en su forma de pensar y de ser fiel a una idea de un mundo más justo, mejor.

"Arriba el Coronelazo."

Las siguientes creaciones son de la mano de Eduardo Chillida, escultor vasco, que fúe contemporáneo, la maestría de una percepción muy aguda plasmada en diversos materiales como esculturas y una obra pictórica, en las cuales se manifiesta el uso del espacio como generador de formas.

EDUARDO CHILLIDA

El arte oriental y el occidental se distingüen de múltiples formas, uno de los motivos que los han separado es que los primeros basan sus creaciones bajo el culto a la naturaleza, de la belleza de la misma, sus trabajos son manifestaciones del espíritu, cada elemento debe de contar no solo con su forma física sino tener un espíritu propio dentro de la obra, ningún elemento esta de más.

Mientras, en el occidente nos hemos esforzado por adquirir la habilidad de representar las cosas, por siglos ese fué nuestro objetivo, hasta la llegada del arte vanguardista que trajo consigo la preocupación hacia la expresión del artista como tal, de la individualidad y originalidad.

Ambas concepciones son muy distintas en cuanto a la teoría aunque en algunos puntos se trastoquen, por ejemplo, la pintura china, además de representar tiene un sentido espiritual, tanto para el autor como para el espectador la imágen que van a ver debe de suscribirse en el Tao o en el Budismo, se debe de pintar poco a poco, hasta lograr por medio de la tinta todos los elementos de una obra, se maneja el concepto de analizar primero lo que se va a pintar hasta comprender su naturaleza, para poder abordarlo de manera correcta, mientras que en occidente se trabaja para lograr las texturas, los colores, las formas significativas; nos adentramos en la representación del cuerpo humano, de los rostros, de las actitudes, todo esto en el arte oriental no tiene sentido, por que lo que se plasma es el espíritu de las cosas, el ser humano no es sino otro integrante del todo, todo tiene importancia, mientras en occidente solo las figuras principales son enfocadas hacia la importancia, de ahí su nombre; lo demas es solo compañía.

En cada caso existe sin embargo la belleza, la armonía, el gusto por lo que se hace.

Hoy en día estas dos manifestaciones del arte se han acercado, pudiendo maniferstarse influencia de ambas, esto se debe en parte al surgimiento de la pintura abstracta, que mediante el simbolo y el signo se acercó a la metodología oriental, la importancia del trazo, de la mancha, de la línea, el color; bases que hermanan con oriente, así por ejemplo tenemos a Antoni Tápies, que con sus texturas, sus líeas y colores bien podria ser comparada su pintura con algún caracter japonés o chino, pintores chinos y japoneses a su ves retoman teorias y técnicas occidentales hoy día para expresarse y transmitir un mensaje más claro hacia esta parte del mundo.

Afortunadamente, este acercamiento nos brinda posibilidades que nunca antes tuvimos, la posiblilidad de entender, analizar, crear y conocer al arte oriental y sus creadores, asi como el darnos a conocer a ellos, compartir ambas experiencias.

personalmente me gustaria aprender de ellos la pincelada Tui, aquella que en un solo trazo sda formas por medios de claros y opscuros de una sola vez, sin repasar una y otra vez sobre la tela, asi como su uso del espacio que es grandioso.

vemos aqui la obra de Girodet, el manejo de las proporciones y cánones griegos, la importancia de la luz, que envuel ve a los protagonistas.

El sueño de Endimión, se titula.

CONCEPTOS.

EL PUNTO.

Dentro de las concepciones que podemos encontrar, solo nos interesa la referente a lo gráfico; el punto es la unidad mínima de expresión, es el resultado del choque de un material sobre una superficie, es un inicio, un instante que desatará una expresión.

LA LINEA.

Esta es considerada como una sucesión CONTINUA de puntos en el espacio, una huella dejada por un punto en movimiento; es aquel elemento que nos ayudará a dar sentido de direcciones, formas y figuras para crear en el plano la ilusión de las mismas.

EL PLANO.

Es una superficie que cuenta con un ancho y un alto, que le dan el carácter bidimensional, nuestro propósito es crear dentro de esas dos dimensiones la noción de una tercera: la profundidad, para esto nos valemos del claroscuro, que dota a las imagenes tratadas del volúmen visual necesario.

EL TRAZO.

El trazo se diferencía de la línea en que este cuenta con distintos anchos y delgados, mientras que la línea siempre conserva sus dimensiones, por otro lado, el trazo es expresivo, dota de movimiento y vitalidad a las formas o figuras.

EL VOLUMEN.

El volúmen se logra por medio de los procedimientos técnicos como son el achurado, el tramado, el reyoneado o el circular por nombrar algunos; con el fín de crear en el espectador la noción de espacialidad y tercera dimensión dentro de un dibujo, por medio del claroscuro, descrito más abajo y es necesario para una representación naturalista lo más apegada al modelo que se tome.

EL COLOR.

Dicho elemento es de importancia vital para aqullos que estamos dentro de las artes plásticas, ya que es la materia que nos concede un sin numero de formas de expresión.

El color es un pigmento, ya sea natural o sintético que mezclado con distintos diluyentes, toma la fluides necesaria para ser aplicado en un plano; los principales colores son los llamados primarios: el azul, el amarillo y el rojo, más los tonos neotros blanco y negro. de la combinación de estos se crean todos los colores que percibimos en la naturaleza.

La mezcla de dos colores primarios genera un color secundario, asi si mezclamos los colores entre ellos obtendremos tres colores secundarios, estos son:

1- de la mezcla de azul + rojo= violeta.

2- """" azul + amarillo= verde.

3- """"" rojo + amarillo= anaranjado.

estos mismos se pueden oscurecer con el negro u aclarar con el blanco.

además se pueden oscurecer con el color que no formo parte de la combinación siendo así:

anaranjado oscurecido con azul

verde oscurecido con rojo

violeta oscurecido con amarillo.

a esto es lo que le llamamos colores complementarios, que también pueden estar dentro de un trabajo plástico por separado, no necesariamente oscureciendo al color secundario.

al oscurecer los colores secundarios con los complementarios, generamos a su vez la paleta de los colores terciarios, esto es:

anaranjado + azul= siena.

verde + rojo= sepia.

violeta + amarillo= ocre.

Colores recesivos y colores dominantes.

Los colores recesivos son aquellos que no dominan dentro de una combinación, por lo general es el amarillo, ya que siendo invadido por el azul o el rojo cambia fácilmente a tonos verdes o anaranjados, puede decirse que los colores recesivos son aquellos menos oscuros o dominantes a comparación con otros, por ejemplo el amarilloes recesivo en la mezcla con el rojo formando el anaranjado, el rojo es recesivo en el violeta, el amarillo es recesivo en el verde.

se puede decir que los recesivos pierden su naturaleza y no se pueden ver con la misma luminosidad inicial, mientras que los dominantes conservan parte de sus propiedades de luz, de tono y de saturación.

Estudio de manos.

este estudio muestra tanto el tratamiento de achurado como el

empastameinto con la tiza blanca, para realzar las zonas de luz.

Estudio de un León, realizado por Théodore Gericault, pintor romántico francés, aqui la textura por material y por pincelada se conjugan para dar la volumetría, el claroscuro y el esfumado; es un claro ejemplo de arte romantico -realista.

Un pintor contemporáneo es el que aparece aqui, se llama louis Lebrocquy, me gusta mucho como sus retratos se funden con el fondo, como si emergieran de él, además de que son constituidos por pinceladas muy sueltas, más aparte la luz, que adopto del mediterráneo.

Para relajarse nada como la grandiosa pintura china paisajistica, aqui una muestra de la maestria en el uso de la tinta china, obra para contemplarse.

Este San Juan Bautista, creación de Leonardo, es una de las obras maestras del arte occidental, quizás para algunos no sea gran cosa pero tiene mucho valor, este es por que en el lienzo no hay huella alguna de pincel, en rayos equis, no aparece boceto alguno debajo de la pintura, cual si fuera un fantasma plasmado; es la mejor prueba del claroscuro y el esfumato juntos, que crean una sensación tenebrista que tal vez el Caravaggio retomo tiempo después; sin dejar de lado la famosa huella de Leonardo, la sonrisa extraña, quizás diabólica, quizás santa; una pintura simplemente emblemática.

Gustave Moreau.

Este autor es el principal bastión del movimiento simbolista, ya que su obra, basada en las sagradas escrituras y en la mitología greco- romana, constituye un avance significativo dentro de la historia de la pintura, ya que se acerco por un lado al expresionismo abstracto, y por otro nunca se desarraigó del academismo del siglo XIX, esta obra se titula"Moises abandonado a orillas del Nilo", la perspectiva es dada por el color, llevando los colores luz al fondo y los tonos oscuros al frente, creando así una espacialidad entre el primer plano y los subsecuentes.

Esta imagen de Rembrandt, nos ayuda a comprender la plástica, a que me refiero con esto: a la capacidad del creador para dar el máximo de efectos que se pueden lograr con un material, en este caso el óleo, podemos ver como esta trabajado el modelado de la cara, como rasgo por rasgo son trazos de color que se entretejen para dar la sensación de una carnación, así mismo los raspados en el lienzo, las veladuras; gran parte de posibilidades de un material como el óleo, aplicadads con maestríay en su justa medida.

Ahora vemos un autorretrato de Rembrandt, con su magnífico uso del claroscuro, además de un colorido hermoso, armónico.
Gran parte de los detalles de esta obra son pinceladas muy sueltas, texturas con el material y sobreposiciones del color para generar texturas visuales.
Véase como los tonos grises y tierras mantienen la armonía del cuadro, mismos que al contrastar con los tonos de la carnación, le dotan de calidez.

Esta obra es "La Batalla de Anghiari", de Leonardo Da Vinci, en si nunca se llevo a cabo, este es una copia del original, que pudo realizar Rubens.

Aquí vale la pena que siendo este un estudio-copia de una obra de Leonardo, se abre la posibilidad de imaginar como sería el original.

Es simplemente un trabajo extraordinario.

Claroscuro,
efectos de luz y sombra en una pintura o dibujo, ya sea monocromo o en color. Suele referirse a una técnica que contrasta zonas brillantemente iluminadas con otras de densa sombra. La sabia combinación de luz y sombra (denominada a veces valores tonales) para conseguir efectos más dramáticos es una característica de las obras de maestros renacentistas del siglo XVI como Leonardo da Vinci y Rafael o de pintores barrocos del XVII como Caravaggio, Georges de la Tour y, de forma muy notable, Rembrandt. El claroscuro es patrimonio casi exclusivo del arte occidental y raramente se observa antes del renacimiento.
Ya dentro del renacimiento, Leonardo Da Vinci, utilizó el claroscuro más el esfumato, cabe señalar que dichos procedimientos son distintos, ya que el primero trata la luz y la sombra, mientras que el segundo se enfoca a la relación de todos los elementos dentro de una pintura, que estén envueltos en la misma atmósfera, que todos los colores se fundan hacia el fondo y que entre ellos no existan contornos que les separen.

Perspectiva,
método gráfico capaz de representar el espacio tridimensional sobre una superficie plana. Aquí se presentan las tres perspectivas planteadas por Leonardo; la geométrica o lineal, la aérea, la dada por color.
La perspectiva lineal es el sistema de representación que más se asemeja a la visión humana. Una de sus leyes fundamentales es la de que las rectas paralelas se representan como convergentes: las vías del tren, que parece que se acercan a medida que se pierden en la distancia. Los elementos más importantes de este tipo de perspectiva son el plano del cuadro (la superficie de representación), la línea del horizonte, situada a la altura del punto de vista (los ojos del espectador), y los diferentes puntos de fuga, donde convergen, sobre la línea del horizonte, las rectas horizontales más importantes de la figura.
La perspectiva aérea es una técnica, empleada habitualmente en la pintura realista, consistente en simular el efecto atmosférico que se percibe al comparar los objetos de acuerdo con su lejanía. Así, por ejemplo, las montañas que aparecen al fondo de un paisaje pierden definición y adquieren un tono azulado, como si entre ellas y el observador se interpusiera una gran masa de aire. En este tipo de perspectiva el enfoque es que conforme se alejan los objetos, pierden su definición, sus contornos y en casos sus formas, por acción del aire o espacio que esta entre ellos, así mismo se reducen en tamaño conforme se alejan.
Por último, la perspectiva por color, que plantea que todos los colores se tornan hacia el azul mientras más se alejan del primer plano.

Dibujo,
representación gráfica sobre una superficie, generalmente plana, por medio de líneas o sombras, de objetos reales o imaginarios o de formas puramente abstractas. El dibujo suele hacerse a lápiz, tiza, tinta o carboncillo, o combinando algunos de estos procedimientos.
La delineación de la forma sienta las bases de todas las artes visuales (incluso la escultura), por lo que el dibujo es una de las ramas más importantes de estudio en las escuelas de arte y arquitectura, así como en las de ingeniería. No obstante, este artículo se refiere al dibujo artístico, en comparación con el dibujo técnico.
2. DIBUJO LIBRE El dibujo de los objetos visibles consiste esencialmente en el registro de la impresiones recibidas a través de la vista. Sin embargo, dado que no es posible presentar en un plano todos los aspectos visibles de un objeto, el arte del dibujo radica en la sugerencia, estimulando la imaginación del espectador para aportar lo que falta en la representación. La elección sobre qué registrar y qué omitir requiere una sensibilidad visual que se desarrolla con la experiencia. Un apunte es un dibujo que sólo muestra, de forma resumida, los detalles esenciales del objeto representado. En un buen apunte, el artista no sacrifica la aproximación de su impresión visual por conseguir un acabado pulido.
Los diferentes estilos de dibujo se distinguen por las formas en que se superan las limitaciones que impone el material monocromático con el que se trabaja. En los bosquejos, y en algunos apuntes, sólo se representan los contornos, los ángulos sobresalientes o los rasgos del objeto o escena que se representa. El arte chino y el japonés (véase Arte y arquitectura de China; Arte y arquitectura de Japón) constituyen un admirable ejemplo de la fuerza que tiene la línea pura, incluso sin color, para sugerir el más variado modelado de superficies y para recoger los detalles más minuciosos. Por otra parte, las escuelas occidentales han dado mayor importancia a los valores tonales, en la representación de las gradaciones de claro a oscuro. Los artistas europeos han procurado conseguir los efectos deseados por medio de las gradaciones correspondientes en los tonos monocromos del dibujo. Es posible incluso sugerir, o interpretar, diferentes colores por medio del blanco y negro, representando cuidadosamente sus valores aparentes; por ejemplo, un rojo oscuro se indica con un sombreado más oscuro que el que se emplea para sugerir un azul claro o un amarillo. Los grandes artistas del renacimiento están a medio camino entre los exponentes japoneses de la línea pura y los modernos intérpretes occidentales de los valores tonales. Los dibujos de Rafael, Leonardo da Vinci y Miguel Ángel son notables por su pureza, vigor y delicadeza de líneas, así como por la maestría con que representan los volúmenes a través del sombreado.

Grisalla,
técnica de pintura al óleo en la que se emplean únicamente tonos grises o neutros. La grisalla produce un efecto monocromático frío y sólido, que se ha utilizado desde el periodo gótico para hacer que una pintura bidimensional parezca un relieve, escultura o arquitectura tridimensional. Se encuentran excelentes ejemplos de esta técnica en la obra de los pintores flamencos Jan van Eyck y Petrus Paulus Rubens, y del pintor italiano Andrea Mantegna, entre otros. La grisalla se ha usado también con éxito en la pintura al fresco y en las vidrieras, y en algunos casos sirve como referencia en el dibujo subyacente.

TÉCNICAS PICTÓRICO- DIBUJÍSTICAS.

Acuarela,
pintura realizada con pigmentos disueltos en agua. La característica que distingue a la acuarela es su transparencia; la superficie del papel resulta visible a través de sus finos colores, creando un efecto velado, muy diferente del grosor y opacidad de la pintura al óleo y de otros pigmentos disueltos en aglutinantes más densos.
Las acuarelas se obtienen por aglutinación de pigmentos secos en polvo mezclados con goma arábiga, que se extrae de la acacia y que solidifica por evaporación, pero que es soluble en agua. Las acuarelas, en estado sólido, se disuelven en agua y se aplican sobre el papel con un pincel. Si bien la acuarela es un tipo de pintura relativamente moderno, a lo largo de la historia se han utilizado diferentes pinturas a base de agua. Se puede considerar que las primeras acuarelas son los papiros del antiguo Egipto, y los tempranos dibujos orientales a tinta son en realidad una forma de acuarela monocroma. En la Europa medieval, se empleaban pigmentos solubles en agua aglutinados con un densificador derivado del huevo para los manuscritos miniados; de la misma manera, los frescos medievales estaban pintados con pigmentos mezclados con agua espesados con pintura blanca opaca. Posteriormente surgieron otros tipos de pinturas opacas solubles en agua, muy cercanos a las acuarelas, como el gouache, que se sigue empleando en la actualidad.
Normalmente se considera que las verdaderas acuarelas más antiguas son los estudios de paisajes y de animales realizados en el siglo XV por el maestro alemán Alberto Durero, quien terminaba a la acuarela sus dibujos a pluma sobre temas de historia natural. Estas obras no constituyen la mayor parte de su producción, pero se les considera ejemplos clásicos de dibujos de la naturaleza, detallados y precisos. Los artistas de los siglos XVI y XVII sólo utilizaban de forma ocasional las pinturas al agua y la costumbre era emplearlas en monocromo. El bistre (pigmento marrón, café, obtenido del hollín) y la sepia (pigmento negruzco procedente de la tinta de calamar) tuvieron una preponderancia momentánea en las obras del artista francés Claudio de Lorena y del maestro holandés Rembrandt, quienes los utilizaban para crear expresivos efectos atmosféricos de nubes y cielo en sus dibujos de paisajes a tinta. No era frecuente el uso de pinturas al agua, por lo que se encuentran únicamente en las obras de unos cuantos maestros relativamente menores, como Hendrick van Avercamp y Adriaen van Ostade.
La acuarela sufrió la evolución más importante de su historia en Inglaterra, en la segunda mitad del siglo XVIII, coincidiendo con el desarrollo, que además la intensificó, del romanticismo, que glorificaba la naturaleza y la belleza natural. Además de ser la técnica más conveniente para la pintura al aire libre (por su rápido secado), la acuarela era sobre todo adecuada para representar los temas románticos favoritos, como cielos tormentosos, niebla y bruma, y espesos follajes. Al principio, los acuarelistas ingleses seguían la tradición holandesa y se servían de aguadas de color para realzar sus dibujos a pluma o a lápiz. Sin embargo, a mediados de la década de 1700, la técnica de la acuarela se libró de esas ataduras —sobre todo con la obra innovadora de Paul Sandby—, y los artistas empezaron a aplicar la pintura directamente sobre el papel sin atenerse a contornos previamente dibujados. Esta evolución marcó la madurez de la acuarela como modalidad artística y se hizo muy popular. Los temas abarcaban mucho más allá del paisaje, incluyendo las composiciones místicas de William Blake y las sátiras sociales de las caricaturas de Thomas Rowlandson.
En manos de algunos artistas, la naturaleza pastoril y apacible de la acuarela fue sustituida por el drama, la grandiosidad y lo sublime. John Robert Cozens, por ejemplo, realizó acuarelas muy evocadoras de los Alpes suizos y ejerció una importante influencia sobre los dos grandes maestros ingleses de la acuarela, Thomas Girtin y Joseph Mallord William Turner. En la primera mitad del siglo XIX, este último alcanzó una brillantez y luminosidad que no ha encontrado parangón; para describir sus acuarelas se decía que habían sido “pintadas con vapor teñido”.
En el siglo XX, la acuarela ha tenido un papel relativamente pequeño, destacando ocasionalmente en la obra del postimpresionista francés Paul Cézanne y del vanguardista suizo Paul Klee. Sin embargo, en general, ha quedado eclipsada por sus parientes más brillantes y expresivos, el gouache y la pintura acrílica.
Pintura al temple, técnica pictórica que consiste en disolver el pigmento en agua y templarlo o engrosarlo con huevo, caseína, goma o una solución de glicerina.

TEMPLE
La pintura al temple es la técnica pictórica más antigua que se conoce; las pinturas murales del antiguo Egipto y de Babilonia, y las del periodo micénico en Grecia, están probablemente realizadas al temple con un aglutinante de yema de huevo, al que en algunos casos se añadía un poco de vinagre. Posteriormente el empleo del temple se extendió por Europa y alcanzó su culminación en Italia. Pintores florentinos de los siglos XIII y XIV, como Giotto, Cimabue y sus contemporáneos, solían utilizar esta técnica sobre una preparación de yeso blanco. Antes de pintar una tabla, de álamo, tilo o sauce, era necesario llevar a cabo un laborioso proceso. En primer lugar se rellenaban las fisuras con una mezcla de apresto, o cola, y serrín. A continuación se cubría la tabla con un lienzo fino, que se sujetaba con apresto, y se revestía toda la superficie con un yeso espeso, conocido como gesso grasso, para aplicar finalmente, con brocha, una capa más fina llamada gesso sottile que constituía la superficie pictórica.
La superficie era muy absorbente, lo que obligaba al pintor a trabajar con gran rapidez y seguridad. El resultado era una superficie de gran suavidad, aunque la gama de colores estaba limitada. Las pinturas al óleo empezaron a sustituir al temple en el siglo XV.
Los pintores renacentistas italianos molían los pigmentos a mano y una vez conseguido el polvo lo mezclaban con el aglutinante. Hoy, este tipo de pinturas se están volviendo a poner de moda pero ya vienen envasadas y lo único que hay que hacer es añadir agua u otro aglutinante, generalmente caseína. Las pinturas al temple son opacas y mates y mantienen el color inalterable durante mucho tiempo.

Pintura al óleo, arte de aplicar colores disueltos en aceites secantes sobre una superficie para crear un cuadro. La pintura al óleo se desarrolló en Europa a finales de la edad media y gozó de gran aceptación por su mayor simplicidad de manejo y las posibilidades más amplias que ofrecía, en contraste con los agentes aglutinantes existentes a la sazón, como la cera de la encáustica, el huevo del temple, la goma arábiga de la acuarela y los de la pintura al fresco. La pintura al óleo se seca relativamente despacio con poca alteración del color, lo que permite igualar, mezclar o degradar los tonos y hacer correcciones con facilidad. El pintor no está limitado a las pinceladas lineales, sino que puede aplicar veladuras, aguadas, manchas, vaporizaciones o empastes (pigmentos muy espesos). El artista es libre de cambiar y de improvisar sin verse restringido a un dibujo preparado de antemano. El óleo permite obtener efectos de gran riqueza con el color, los contrastes tonales y el claroscuro.

Encáustica, pintura realizada con pigmentos mezclados con cera caliente o, más recientemente, con resina. Tiene la finalidad de fundir el pigmento en la superficie, produciendo así un acabado de gran duración. La encáustica (del griego enkaustikos, 'marcado a fuego') era una de las técnicas pictóricas más utilizadas en el mundo clásico.
Los antiguos griegos y romanos calentaban la superficie a pintar y la paleta con quemadores de carbón vegetal y trabajaban con una espátula de metal de dos extremos o con un pincel. Algunas veces grababan el dibujo con el extremo caliente de la espátula y después rellenaban la incisión con pintura. El enciclopedista romano Plinio el Viejo, en el siglo I de nuestra era, describía la técnica, ya entonces antigua, de hacerlo sobre marfil, y observaba también que la encáustica constituía un acabado efectivo para los barcos por ser resistente a las inclemencias del tiempo y a la sal. Entre los ejemplos de pintura encáustica que han llegado hasta nosotros, se encuentran los retratos pintados en los sarcófagos de madera hallados en las tumbas egipcias de Fayum (siglo I a.C.-siglo III de nuestra era) y los murales romanos descubiertos en Pompeya. La encáustica seguía siendo el método más utilizado en el principio de la era cristiana (250-600) y uno de los ejemplos más notables es la Virgen con niño entronizados del monasterio de Santa Catalina del monte Sinaí, en Egipto.
Esta técnica cayó en desuso en el siglo VIII o IX y nunca ha sido resucitada en serio, con excepción de una breve reaparición en Alemania, en el siglo XIX, para la pintura mural. En el siglo XX se ha venido aplicando con cierto éxito para la pintura mural y sobre tabla. En la actualidad, se añade resina a la mezcla para endurecerla y facilitar su aplicación y todo el proceso se simplifica gracias a la paleta que se calienta eléctricamente.


Gouache,
una acuarela de pigmentos opacos en lugar de los pigmentos translúcidos de las auténticas acuarelas. En el gouache los pigmentos están aglutinados con cola o mezclados con pigmento blanco. Aunque carece de la delicada luminosidad de la auténtica acuarela, es más sustancioso que ésta y su textura se parece a la de la pintura al óleo. Además, la tendencia de los colores del gouache a aclarar a medida que se secan permite una amplia gama de efectos nacarados o tipo pastel.
Los primeros en emplear este procedimiento fueron los antiguos egipcios que utilizaban miel para aglutinar sus pigmentos. Su uso estaba muy difundido en la edad media para la iluminación de manuscritos y alcanzó verdadera popularidad en el siglo XVIII; el pintor francés François Boucher explotó con gran habilidad sus tonos nacarados. Los artistas del siglo XX han utilizado mucho el gouache porque permite conseguir empastes espesos, ideales para lograr efectos más expresionistas. En la actualidad es también conocido como témpera.

Pastel,
barra de color fabricada con pigmentos en polvo y otra sustancia cohesiva, como goma o resina; se utiliza principalmente en dibujo. Posee la particularidad de no utilizar ningún aglutinante, por lo que el color de la barra es el definitivo. A cambio, tiende a ser alterado con facilidad y necesita de un fijador para su total adherencia al soporte, que suele ser papel. Tiene su origen en Italia durante el siglo XVI como evolución de la tiza de dibujar. Sin embargo, su época de máximo esplendor fue el siglo XVIII con artistas como La Tour y Chardin. Con el movimiento impresionista, durante la segunda mitad del siglo XIX, volvió a recuperar su popularidad. Se encuentran destacados ejemplos de esta técnica en la obra de Edgar Degas, Auguste Renoir y Toulouse-Lautrec.

Tinta,
toda sustancia pigmentada, líquida o viscosa, que se utilice en la escritura, la imprenta o el dibujo. La composición y consistencia de la tinta depende de los usos a que esté destinada. Sin embargo todas las tintas contienen dos componentes básicos: un pigmento, o tinte, llamado colorante, y un aglutinante, el líquido en el que se dispersa el pigmento. Los tipos de tinta más comunes son los de escribir, de dibujar, de imprenta y las tintas invisibles. Muchas tintas sólo se diferencian de las pinturas en el uso a que están destinadas.

Fresco,
técnica o arte de pintar con pigmentos de origen mineral resistentes a la cal y empapados de agua sobre un muro con revoque de yeso todavía mojado, es decir, fresco. En el renacimiento este proceso era conocido como buon fresco o ‘a la italiana’ para diferenciarlo del fresco secco, que se realizaba sobre el enlucido seco. A veces se aplica inadecuadamente este término al temple, en el que los pigmentos se mezclan con huevo u otra sustancia aglutinante y se aplican directamente sobre la mampostería.
En el buon fresco, se aplica el color en la última de las varias capas de yeso. En la penúltima, el pintor superpone un dibujo preparatorio, o cartón, de la obra, aunque también puede trabajar sobre un esquema de color independiente. A continuación, refuerza con acuarela oscura las diferentes figuras y formas del cartón y aplica la última capa de yeso sobre el dibujo por pequeñas zonas, y el color sobre el yeso mojado. Al secarse, la cal contenida en el yeso reacciona químicamente con el dióxido de carbono del aire, formando una película de carbonato de calcio que une de forma estable los colores a la pared. Los colores de un fresco suelen ser poco densos, translúcidos y claros y, en muchos casos, tienen una apariencia calcárea. En el renacimiento se encontró el modo de dar un poco más de opacidad a los colores.
En el buon fresco es necesario pintar rápidamente, limitándose a lo esencial. El artista debe saber la cantidad de color que absorberá el yeso. Demasiada pintura hace que la superficie se agriete y hace necesario levantar la zona defectuosa, extender yeso fresco y volver a pintar.
En el fresco secco hay que proceder a quitar la corteza de yeso seco, frotando con piedra pómez, para después lavarlo con una mezcla clara de agua y cal. Los colores se aplican sobre la superficie resultante. El efecto del fresco secco es inferior al del buon fresco, pues los colores no resultan tan claros, ni la pintura tan duradera.

La superficie pictórica consiste en un soporte, que puede ser una tabla o un panel compuesto, o más frecuentemente, una tela de lino, algodón o yute tensada en un bastidor o encolada a una tabla. El soporte va cubierto con una preparación, hecha con una fina capa de yeso y cola o apresto. La preparación hace que el soporte sea menos absorbente y proporciona una superficie pictórica que no es ni muy áspera ni muy suave; puede ser blanca aunque generalmente se aplica encima una capa de color, que suele ser gris, castaño oscuro o rojiza.
Para pintar al óleo se procede, tradicionalmente, por etapas. En primer lugar se bosqueja el dibujo sobre la preparación a lápiz o a carboncillo, o con pintura diluida en trementina. Después se rellenan las amplias zonas de color con una pintura fluida, y se van refinando y corrigiendo sucesivamente con pintura más espesa a la que se añade óleo y aceite. Normalmente se usan pinceles de cerdas duras, aunque se pueden utilizar brochas más suaves de pelo de tejón o de marta; también se puede emplear una paleta o espátula ancha y flexible, o los dedos. Este proceso puede durar desde pocos días hasta meses o incluso años.
Una vez seca la pintura, se barniza para protegerla de la suciedad y para dar más vida a los colores. Todos los barnices terminan por oscurecerse, por lo que deben ser de fácil eliminación para volverlos a aplicar.


Fuentes de información:
Max Doerner. Los materiales de pintura y su empleo en el arte.
Leonardo Da Vinci. Tratado de la pintura.

Saturnino Herrán, uno de mis artistas mexicanos favoritos, más que don Diego, dejo una obra inconclusa por su muerte prematura, y pienso que de no haber sido por eso quizas para Mexico y el mundo el seria uno de los más grandes, por su forma de reinterpretar la belleza clásica con la temática indígena.

Aqui podemos observar diversos contrapostos clásicos, pero con el cambio de facciones más terrenales e indígenas en los rostros de los personajes, cual si quisiese por medio de esta obra, regresar a la grandiosa belleza de nuestro pueblo, a la elevación de nuestra raza.

En si considero esta obra como un signo de la importancia anatómica del cuerpo humano como expresión, para una representación convincente de sentimientos, de hecho y muy personalmente al verla llega a mi un sentimiento de melancolía.

Aqui tenemos como muestra la pintura de Rembrandt.

"EL pintor en su estudio", un ejemplo de composición por medio del espacio y la luz.

Si miramos bien la luz, en específico las zonas de mayor intensidad, crea contrastes con las zonas sombrías, que sin embargo cuentan con color dentro de sí, no hay sombras que lleguen hasta un punto de indefinición.

Por otro lado, el caballete que figura en el primer plano, por sus angularidades y dimensiones, nos invita a mirar hacia adentro, las líneas diagonales del caballe te son las que dan toda la profundidad a la obra.

en cuanto al color, maneja los frios al fondo, aún su figura esta trabajada así, tras de él, el color se torna marrón oscuro que se acerca a tonos fríos y poco a poco se entrelaza a los cálidos; llegando al frente otra vez dominan los marrones, lo que por color nos genera una espacialidad entre el caballete y el pintor, reforzada por el tamaño de la figuras, y aqui una lección para recordar, siempre que en un primer plano se maneje una figura dominante a lo alto, nos generara espacio hacia el fondo de nuestra composición, esto ayuda a crear espacios. Si la figura dominante la manejamos en tonos bajos, el fondo sera siempre mas agradable en tonos altos y visceversa.

en este apartado elegi algunas de las pinturas chinas que mas me han gustado para mostrarselas, yo soy muy afecto a la cultura china y japonesa, claro sin dejar de lado las raices de mi pais, espero que disfruten mucho.

gran parte del poder del arte es el crear en el espectador una conciencia, los chinos en particular se enfocan a que todo en el mundo se complementa con su opuesto, dew ahi el ying y el yang, basado en esto, sus pinturas conceden tanta importancia a lo que en ellas plasman como en el vacio que respetan para que la obra este completa.

en este caso la pintura esta en blanco y negro, todo el claroscuro solo es dado por la descarga de la tinta ya sea sobre el papel o la tela (seda), por medio de pinceladas que dan el claro y el oscuro de una sola vez, y como vemos el espacio es muy importante.

a la izquierda vemos una pintura a color, donde se aprecia que este no es claroscurado, por lo tanto la perspectiva es dada por medio del color luz (la luminosidad y claridad de cada color), ya que los colores son aplicaqdos de forma separada, y al verlos el ojo es el que determina el claro oscuro, la perspectiva se logra por medio deescalera y en orden de figuras por jerarquias (las mas importantes van al frente y disminuyen segun su importancia).