LA PINTURA Y LAS ARTES, manifestaciones del espíritu.

2007-01-03T21:01:00.000-08:00

FELIZ AÑO NUEVO A TODOS

que esten muy bien, que tengan buena salud y ojala este año y la vida permita que sigamos viendonos, cuidense.

2006-12-13T20:43:00.000-08:00

Que tal, espero que todas las entradas de este blog se puedan ver, quien no ha viajado en el, poco a poco se adentrara en el mundo del Arte.
Se toma como referencia obras de distintos artistas, para aproximarnos mas hacia el quehacer artístico, no encontraran aqui obras personales, ya que la Ética no me permite hacer eso, solo obras de artitas ya reconcocidos, mi obra poco a poco se dara a conocer en otro sitio.
ojala que lo que aqui encuentren sea de su agrado, ya que este blog en para todos y recibe las opiniones de todos, conocidos y no, amigos mios o que quizas lo seran, espero les agrade.
atte, Tom.

2006-12-03T20:00:00.000-08:00

Aquí un autorretrato de Rembrandt, el cual ha sido tomado como ejemplo del uso del color que tuvo este maestro del barroco, en si sus autorretratos son los que nos muestran las facetas del pintor, y en el cobran un significado único, ya que casi todos ellos son misteriosos, ejecutados con una maestria tal dentro del claroscuro , con el color luz y pigmento al unísono, que casi se puede sentir la piel del autor; además viene anexo un retrato de Titus, su hijo, en el que también muestra el semblante gentil del joven, como recordando que en algún momento fueron acaudalados y refinados, pero con cierta nostalgia a otros tiempos.

2006-10-29T13:22:00.000-08:00

aqui estoy yo, para que mis conocidoas me vean jaja, y los que no me conozcan me vean.

2006-09-27T20:56:00.001-07:00

Yves Klein, un artista pop norte americano, amigo de Arman, tambien con trabajos mucho muy buenos.

2006-09-27T20:56:00.000-07:00

estas son obras de Arman, artista pop de Francia, unos trabajos muy pero muy buenos.

2006-09-25T20:07:00.002-07:00

algunos trabajos de Rembrandt, que por cierto ha sido (si no es que, es) de los mejores grabadores de todos los tiempos, ahora le muestro un dibujo y un granbado suyos.

2006-09-25T20:07:00.001-07:00

Les mostraré ahora unos trabajos del artista Alphonse Mucha, son en su mayoria carteles en litgrafía, hermosos por cierto, para que vean la importancia del dibujo en cualquiera de las ramas artistico- plásticas.

2006-09-25T20:07:00.000-07:00

imágenes que no pueden faltar, obviamente me refiero a los estudios, dibujos y pintura de Leonardo Da Vinci, un estudio de caballos y jinetes, las caras que son particularmente interesantes ya que se hermanan en concepto con lo que llamamos hoy caricatura y la Mona Lisa
quizas el retrato mas famoso y enigmático de la historia.

2006-09-24T20:37:00.001-07:00

2006-09-24T20:37:00.000-07:00

Teoría del Color

Esta sección contiene una plétora de información que podrá ser de ayuda al artista gráfico, cualquiera que sea el proyecto que esté desarrollando.

El color como la mayoría de los artistas saben, es crucial en todo trabajo de arte y diseño. Desde las obras de Picasso a los bocetos que realizamos diariamente, el conocer del color siempre es de beneficio al artista.

Podrán notar que tenemos tres diferentes tópicos aquí; trataré brevemente de explicar cada uno y las teorías que de ellos se desprenden. Verán cuan beneficiosas pueden ser al momento de realizar cualquier trabajo de índole gráfica, sin embargo, la información aquí mencionada es muy básica y ha sido resumida en una sola página para su fácil navegación.

El circulo cromático representa lo que desde la educación más elemental se nos muestra, de allí que los colores primarios forman la base donde los artistas forman sus ideas. Fue creado originalmente por Isaac Newton, científico reconocido por su «descubrimiento» de la gravedad.La estructura básica del circulo cromático contiene los tres colores primarios: rojo, amarillo y azul.

Los colores primarios son la base de otros colores en el círculo. Teóricamente, mezclar alguno de estos colores resultará en un color secundario. Los colores primarios son usualmente considerados los colores más puros, por la diferencia de vibración óptica de cada uno. Por ejemplo, verás que el amarillo parece más brillante que el rojo, el cual luce más brillante que el azul. Si quieres crear un logotipo vibrante e impactante, tu mejor opción es usar alguno de los colores primarios.De la mezcla de dos colores primarios, obtendremos un color secundario. Los colores en esta categoría son violeta, naranja y verde.

Observando el circulo cromático, nótese el hecho de que los colores secundarios están situados entre los colores primarios. De esta manera, puedes fácilmente identificar cuales dos colores primarios se utilizaron para crear un color secundario, por ejemplo, de la mezcla de rojo y amarillo obtenemos naranja. ¿Simple, no?¡Pero, hay más! Cuando mezclas un color primario y uno secundario, obtenemos uno llamado color terciario, colores un tanto extraños.

Existen muchas combinaciones de colores primarios y secundarios cuya mezcla resulta en diferentes colores terciarios.También tenemos diferentes clasificaciones del color, como podemos ver a continuación:Colores Cálidos: rojo, amarillo, naranja y sus variaciones contienen esa denotación. Se les asocia con calor, ira y caos. Piensa en fuego cuando uses estos colores.Colores Fríos: verde, azul, violeta y sus variaciones se denotan así.

Se asocian a la idea de frío, quietud, serenidad. Piensa en hielo cuando uses colores como estos.Colores Complementarios: A los colores de lados opuestos en el circulo cromático se les suele llamar complementarios. Estos repelen la vibración del otro color. Al usarlos en conjunto, logras un brillante y llamativo diseño.

Algunas personas opinan que estos combinan, pero no siempre es así. El rojo y el verde son complementarios, pero no combinan, excepto en la temporada de navidad. Colores análogos: Son los colores subsiguientes a otro en el circulo cromático. Esos colores normalmente trabajan muy bien juntos. Si quieres crear una imagen con buen balance de color, utiliza colores análogos. Azul y violeta son un buen ejemplo de esto.Colores Triglifo: Colores situados en varios puntos del circulo cromático, creando una forma triangular.

El rojo, azul y amarillo son colores triglifos. Lo son, mientras el resultado sea una forma triangular dentro del circulo. Muchos se mantienen al margen de utilizarlos, usualmente por desconocer su uso apropiado. Los colores triglifos logran que una imagen o diseño luzca más lleno de color y explosivo, aunque utilicemos los tres. Es común observarlos en logotipos de empresas que reflejan diversión, como los productos infantiles.Si aún tienes un poco más de interés en el color, continúa conmigo...

El Método aditivo de color es una teoría basada en las propiedades de la luz. Ella dicta que todos los colores en el espectro visible se componen de tres halos básicos: rojo (Red), verde (Green) y azul (Blue) o Color RGB. De la mezcla de estos colores primarios en variadas formas, obtendremos diversos tonos y resultados. Realmente, los colores son posibles gracias a la luz: cuando esta apunta a un objeto, el objeto absorbe todos los colores excepto el suyo propio.Por ejemplo, una manzana absorbe todo el espectro excepto el rojo, las uvas todos excepto el índigo (azul violáceo).Al mezclar dos de estos colores, obtenemos los colores aditivos secundarios: cian (Cyan), magenta (Magenta) y amarillo (Yellow).Cuando unimos estos tres, obtenemos el blanco puro. Las pantallas de televisión o monitores de computador usan este método de mostrar los colores. Cuando ves televisión, todas las imágenes se conforman en base a este método. La próxima vez que trabajes en Photoshop, asegúrate de estar trabajando de esta forma, más útil al momento de encontrar los colores adecuados.
Te has preguntado ¿porqué esa imagen RGB que ves en tu monitor luce opaca cuando la imprimes? El Método de color sustractivo es el porqué. Este método se basa en la mezcla de pigmentos, y se le asocia a las tintas para impresión. Apreciarás que el método sustractivo de color es el opuesto al Método aditivo de color, debido a que la luz se mezcla en un concepto diferente a los pigmentos.Los tres colores primarios en el método sustractivo de color son cian (Cyan, C), magenta (Magenta, M), y amarillo (Yellow, Y). De su unión, obtenemos los tres secundarios: rojo (Red), verde (Green) y azul (Blue), y de la mezcla de esos tres secundarios, obtenemos el negro puro (Black, K). Todos los procesos de impresión trabajan basándose en el sistema de color CMYK, siglas con que abreviamos a el método sustractivo de color. Los sistemas de impresión que usan este método no mezclan los colores, ellos imprimen pequeños puntos de tinta C, M, Y, y K muy cercanos uno del otro en diferentes ángulos, a veces unos sobre otros, creando así la imagen. Puedes observar esto claramente en cualquier periódico: toma una lupa y observa en detalle una imagen a color. Notarás la separación de CMYK visiblemente.Esto puede ser útil al momento de mezclar pinturas o cuando colores digitalmente. Consideramos este proceso algo adicional al circulo cromático, del cual anteriormente hemos hablado.Bueno, es todo de este vistazo a la teoría del color. Espero que esta información sea de utilidad en tus trabajos, y también espero que continúen explorando los intrínsecos laberintos del color. Para más información acerca del color, consulta las librería locales.

2006-09-21T20:16:00.000-07:00

Hablando del dibujo, quiero aclarar un aspecto (a mi modo de ver) que muchos se preguntan: ¿Que es un buen dibujo?.

Pues no existe un buen dibujo (repito a mi modo de ver) (menos para aquellos que apenas empiezan), es un ejercicio bien ejecutado o mal ejecutado que produce un placer estético, un trabajo bello, ya que desde que se traza una linea en un papel se le puede considerar dibujo, lo que separa es la ejecución, los medios y los resultados, hay dibujos de buena y mala calidad eso si pero no malos, por que finalmente son la expresion de una persona, y cada persona es única, y nunca se debe de criticar su trabajo por que no hay otra igual que haga su trabajo.

y también esto envuelve otros ambitos, cuando aceptamos a las personas como son y su trabajo sin crítica, mas que la objetiva referente a procesos de trabajo, materiales y su ejecución, encontramos su verdadero valor, por eso es que quizás un dibujo puede no ser bello pero si estético o visceversa, pero todos absolutamente todos valen.

2006-09-10T10:16:00.002-07:00

cabeza de mujer, de Leonardo Da Vinci.

2006-09-10T10:16:00.001-07:00

Maurice De Vlaminck.

2006-09-10T10:16:00.000-07:00

una pintura de Dante Gabriel Rosseti, para más información buscar en prerafaelistas.

2006-09-10T10:02:00.000-07:00

una obra que me fascino cuando la vi es esta, no recuerdo su titulo pero es de Lisa Yuskavage, pintora contemporanea que realmente me ha gustado su trabajo.

2006-09-10T09:28:00.000-07:00

¿Que es la Plástica?

la plástica como concepto, engloba a todas las artes, se puede resumir en las capacidades del creador, para generar sensaciones a partir del uso máximo de las capacidades de un material, es la maestría del las aplicaciones de los materiales, ya sea por ejemplo para los pintores, las diferentes técnicas, para los actores sus gesticulaciones o para los musicos sus instrumentos.

Es a la par, aquello que nos muestra la sabuiduria de aquellos que por medio de su quehacer artístico pueden generar las sensaciones que desean.

2006-09-10T08:50:00.000-07:00

http://www.alonsocano.tk ISSN: 1697-2899 D.L:GR2134/2004

LAS VANGUARDIAS DEL SIGLO XX EN RELACIÓN CON EL DIBUJO INFANTIL
Por Araceli Jeréz Conde.Diplomada en Magisterio de Educación Primaria y Licenciada en Psicopedagogía.

Nos situamos en una etapa histórica en la que el mundo experimenta un rápido avance científico y tecnológico que hace que cambien los cánones sociales, políticos y culturales establecidos hasta el momento, dando lugar a nuevos estilos de vida.Toda esta revolución de acontecimientos se traspasa al mundo del arte en forma de ruptura con los convencionalismos clásicos propios de la corriente renacentista, recurriendo a la expresión de nuevas formas.De este modo, el siglo XX se caracteriza por la innovación en todos los ámbitos de la expresión artística, que específicamente en el campo de la pintura se refleja en una nueva concepción de las dimensiones espacio y tiempo dirigidas hacia lo infinito y lo libre. Se introducen formas transgresoras que representan la realidad en su sentido más abstracto, haciendo uso de colores impropios de la naturaleza y de nuevos materiales que dan origen a géneros desconocidos.La finalidad de los artistas de este siglo es plasmar en sus obras la manifestación de sus sentimientos, emociones, sensaciones... anteponiendo la expresión del pensamiento a la forma.Los experimentos artísticos y las vanguardias que inician el siglo son fruto de las experiencias, del contexto ambiental y de la imaginación individual del propio artista, el cual reúne todas estas vivencias a las que libremente da forma en sus obras. Por ello, debemos acercarnos al arte con nuestra imaginación e intentar comprender lo que refleja.En este sentido, vemos que el dibujo infantil está muy relacionado con la pintura que se origina en este siglo. El niño cuando pinta, está plasmando su percepción propia del entorno que le rodea, así como sus sentimientos, impresiones y experiencias. Pero su forma de expresar todo esto, es incomprensible para los espectadores de su obra, ya que utiliza una forma individual y personal de expresión gráfica, que tiene que ser cuidadosamente estudiada para comprender su significado. A lo mejor, lo que es para nosotros un simple “garabato”, es para el niño un símbolo cargado de un gran significado.Según los autores Viktor Lowenfeld y W. Lambert Britain (1980), a medida que los niños crecen va cambiando su capacidad creativa. Por eso, podemos distinguir varias etapas, que se suceden ordenadamente, en función del desarrollo pictórico-gráfico del niño. Estos mismos autores distinguen cuatro etapas desde los 2 hasta los 12 años, que desarrollamos brevemente a continuación:

- Etapa del garabateo (de 2 a 4 años):

el niño comienza a dibujar trazos desordenados en un papel que se van organizando y controlando conforme pasa el tiempo, llegando a dibujar objetos reconocibles a los 4 años. Sin embargo, aunque la forma no es precisa ni el gesto es fino, el contenido de estas representaciones gráficas es todo un mundo interior que el niño construye a partir de sus propias percepciones de todo lo que le rodea. Los garabatos son por tanto, manifestaciones de las primeras imágenes mentales que tiene el niño sobre la realidad.- Etapa preesquemática (de 4 a 7 años): el niño empieza a desarrollar una nueva forma de dibujo que surge de los garabateos haciendo sus primeros intentos de representación. El dibujo de las personas solo contiene cabeza y pies. Crea las formas que quiere de forma consciente, dando testimonio del descubrimiento de sí mismo y del mundo que le rodea. De este modo, dibuja figuras y objetos de su entorno ubicados sin orden alguno. Empieza a conocer los colores y utiliza el espacio caprichosamente.

- Etapa esquemática (de 7 a 9 años):

se desarrolla un concepto definido de la forma. El niño intente describir en sus dibujos partes de su ambiente. Ya existe una relación objeto-color y al tratamiento del espacio se incluye el factor tiempo. En un mismo dibujo suelen aparecer diferentes secuencias de tiempo o distintas acciones que han tenido lugar en momentos separados.

- Etapa del realismo (de 9 a 12 años):

a esta edad los niños comienzan a sentirse miembros de la sociedad y del ambiente en que viven. Es la etapa de la pandilla de amigos. Sus dibujos comienzan a ser más detallados y comienzan a entrar en la búsqueda de la proporcionalidad, la perspectiva y el movimiento, flexibilizando las figuras. Pero todavía los dibujos son más simbólicos que representativos de la realidad.Como podemos comprobar, muchas de las características expuestas en las distintas etapas del desarrollo del arte infantil aparecen en las obras pictóricas de los pintores vanguardistas, que intentan expresar sus inquietudes a través de una abstracción de las formas que solo ellos entienden, y nosotros para poder interpretarlas necesitamos utilizar nuestra capacidad analítica e imaginativa. Como ejemplo, vemos la obra de Nicholson titulada “Vertical seconds”, que responde muy aproximadamente a la forma de dibujar de un niño en la etapa mas temprana de expresión artística que antes hemos denominado como el “garabateo”.

Según Isabel Merodio (1981), en esta etapa del garabateo el niño comienza a descubrir que existe una relación entre el movimiento que ejecuta y la marca que queda en el papel. Sus movimientos son todavía incontrolados y coge el lápiz con el puño cerrado. Esta misma autora señala que los movimientos kinestésicos dan como resultado dos tipos de garabatos: longitudinales (movimientos de izquierda-derecha, de arriba-abajo, etc.) y circulares, tal y como vemos en la gran obra maestra de Nicholson.Después de esta primera comparación del arte contemporáneo con el dibujo infantil, a continuación haremos un recorrido por las vanguardias más relevantes de la primera y segunda mitad del siglo XX relacionándolas con la expresión artística infantil y sus distintas etapas.

1. PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX

Las artes figurativas se convierten en catalizador para la representación y manifestación formal de expresiones internas del hombre. Los estilos artísticos se transforman, rompiendo con las convenciones establecidas desde el Renacimiento sobre perspectiva y tratamiento de espacios, dimensiones, márgenes..., representando de esta manera las concepciones intelectuales, culturales, sociales, políticas y científicas del siglo, que exigen al artista una forma diferente de expresar las realidades cambiantes.Vemos que el dibujo infantil también tiene relación con este aspecto, en el sentido de que en las distintas etapas de la expresión artística, vemos cómo los niños hacen del arte figurativo, el mejor instrumento para reflejar su concepción del mundo. Pondremos como ejemplo el dibujo de una niña de 7 años llamada Aurelia.
Si observamos el dibujo, veremos que aunque el tratamiento de la proporción, el espacio, y la perspectiva no son muy correctos (al igual que en las vanguardias), y las figuras no están muy definidas, nada más ver la escena nos damos cuenta de que está representando su propia imagen mental del mundo, definiendo a las personas y al entorno que le rodea tal y como ella lo percibe.

VANGUARDIAS

1ª) FAUVISMO

Se caracteriza por una libertad en el color hasta llegar a la exacerbación. El color se hace independiente del objeto, haciendo un uso de éste incongruente respecto a la naturaleza cuyo resultado son rostros verdes, árboles azules, cielos violetas, mares rojos... Sabemos que también los niños hacen un uso del color parecido, con grandes contrastes y fuera de la utilización lógica deacuerdo con la realidad del objeto.También se da una extrema simplificación de formas y elementos: la pincelada es gruesa, ancha y basta, y se rellena con machas de color planas. A veces los niños utilizan también grandes manchas de color para definir las formas.Los pintores fauvistas suelen hacer referencia a una visión de la realidad lírica y emocional, plasmada en temas agradables, fundamentalmente paisajes o retratos.Si trasladamos todo esto a las pinturas que realizan los niños, vemos como tanto las técnicas empleadas como las temáticas en las que se inspiran son muy parecidas a las de los pintores de este movimiento. Cuando los niños en edades más avanzadas comienzan a pintar de forma más consciente y cuando el desarrollo de la motricidad fina les permite representar la realidad de forma mas precisa, sienten un inmenso placer en la realización de alegres paisajes y tienen un enorme interés por retratar a las personas más cercanas de su entorno, e incluso a sí mismos para empezar a reconocerse y familiarizarse con su propio yo.A continuación, podemos apreciar con un ejemplo, que las obras fauvistas están muy relacionadas con el arte infantil tanto en la técnica, como en el empleo arbitrario de colores y en el tipo de escenas dibujadas.

2ª) EXPRESIONISMO

Los autores se inspiran en lo espiritual y sentimental, y se dejan llevar por su afectividad, reflejando todas estas emociones en temáticas complejas que dejan ver el apasionamiento y la violencia. El artista quiere reproducir en el espectador sus sentimientos y espiritualiza el mundo en que vive. Los momentos de tensión, inconformismo y desacuerdo político provocan en la paleta de estos pintores la expresión de un grito de protesta.El resultado de todo esto se traduce en la creación de obras profundamente expresivas y cargadas de sensibilidad, dolor, amor, rabia, etc.En cuanto a las técnicas características de esta vanguardia destacan la utilización de colores simbólicos y la distorsión o deformación en la figura.A continuación, podemos ver que el dibujo de una niña llamada Aurelia de 7 años guarda una estrecha relación con el arte expresionista, tanto por la técnica empleada, como por la expresividad y transmisión de emociones que refleja.
El dibujo es una representación del concepto que ella tiene sobre la palabra amor, que identifica con parejas de enamorados, corazones y un sol radiante que ilumina ese amor. Todos estos elementos dotan de un gran sentimentalismo al dibujo y esto, unido al gran simbolismo cromático del mismo, lo convierten en una muestra del arte expresionista.Los niños siempre intentan expresar algún sentimiento profundo en sus dibujos, pero algunos lo exteriorizan más que otros y se dejan llevar por sus emociones más internas, logrando unas representaciones con cierto carácter abstracto y muy expresivo, como es este caso.Algunos niños, además, se sirven del dibujo y la expresión artística para imprimir sus preocupaciones y expulsar todo aquello que les atormenta, tal y como lo hacen los pintores expresionistas.

3ª) CUBISMO

El cubismo representa la destrucción de las convenciones espaciales que impusieron su dominio en la pintura del Renacimiento, rompiendo con el concepto de perspectiva. Las raíces del cubismo se encuentran en los intentos de adoptar una representación pictórica científica y objetiva, llegando hasta la estructura más interna de la realidad. Influye en los pintores la importancia de la geometría, haciendo uso de esta ciencia exacta en la ejecución de sus obras, dando como resultado la conjunción de diversos cuerpos geométricos. Por ejemplo, podemos destacar la idea de Braque de reducirlo todo a cubos en sus trabajos.El tratamiento del espacio se ciñe al establecimiento de nuevas relaciones entre los cuerpos y la superficie, renunciando a cualquier interpretación racional. Las situaciones u objetos se definen a través de líneas angulosas y pronunciadas que dotan a las obras de un gran dinamismo. Bajo estas líneas, podemos observar la gran similitud entre el trabajo de escuela realizado por una niña llamada Sara de doce años, que consiste en la impresión texturizada de un peine sobre el papel, y una de las obras cubistas de Braque.

Ambas representaciones artísticas tienen en común la desmembración de la figura, la ubicación de los fragmentos en un mismo plano sin ningún tipo de relieve y los tonos cromáticos ocres.A continuación, desarrollaremos los dos tipos de arte cubista que tuvieron lugar en la primera mitad del siglo XX como consecuencia de la doble perspectiva, una analítica y la otra sintética, con la que se ha abordado esta corriente vanguardista, analizando el parecido que guarda cada una de ellas con la expresión artística infantil.

* EL CUBISMO ANALÍTICO

Se caracteriza por la utilización de planos geométricos anchos y simples que quiebran y fracturan el objeto, desmembrándolo en todas sus partes. Ello supone la posibilidad de analizar el objeto partiendo de cada uno de sus fragmentos.No existe ningún tipo de profundidad ni de espacio, sólo formas que desglosan el objeto desde diferentes puntos de vista y nos presentan los distintos fragmentos sobre la misma superficie.Estas características son comunes a varios principios básicos del dibujo infantil, argumentados por autores como Viktor Lowenfeld y W. Lambert Britain, que podemos observar en etapas no muy avanzadas del desarrollo artístico del niño. Hablamos de lo que los propios autores definen como etapas “preesquemática” y “esquemática”.- Principio de rebatimiento: - Principio de simultaneidad de puntos de vista: se representa un mismo objeto visto desde diferentes posiciones superpuestas.- Representación de los objetos con la utilización de figuras geométricas.- Ubicación de las figuras en el espacio sin orden lógico.

* EL CUBISMO SINTÉTICO

El objeto ya no se descompone, sino que se resume (sintetiza), pero sigue sin estar sujeto a las leyes de la apariencia. Para ello se introduce una innovación que consiste en la aplicación del “collage” (papeles u otros materiales pegados al cuadro). Esta técnica del collage es muy utilizada en las escuelas, y es un gran medio de expresión y evocación de las percepciones que suscita en el niño la realidad que le rodea. A través de la composición globalizada y abstracta de un objeto, queda expresado todo lo que ese objeto evoca en el niño.

4ª) FUTURISMO

Las obras pertenecientes a esta vanguardia, expresan una exaltación por los adelantos tecnológicos definidos a través de la velocidad y el dinamismo. Las temáticas están basadas en las máquinas, la industria y la mecánica, representadas con formas enérgicas y en movimiento.Los pintores se esfuerzan por plasmar secuencias momentáneas y fenómenos de simultaneidad, como si se tratara de instantáneas fotografías. Se utilizan técnicas puntillistas. Con este tipo de pintura, podríamos relacionar las distintas técnicas utilizadas en las escuelas durante la educación infantil y primaria, consistentes en la aplicación de colores como son la pintura de dedos, manos o pies, la pintura chorreada o salpicada, el puntillismo, etc. Todas estas técnicas se prestan a la utilización del movimiento como sistema de expresión.De esta manera, nos atrevemos a comparar una pintura clasificada como futurista y un dibujo realizado por un niño de siete años, que ha querido representar un tornado. Podemos observar que la técnica es muy parecida en ambas láminas, empleando un trazo enérgico, que dota de un gran dinamismo y movimiento a ambas obras.

5ª) SURREALISMO

Su impulsor fue André Breton, quien pensó en la posibilidad de aplicar el psicoanálisis de Freud a la creación literario-artística para expresar el funcionamiento real del pensamiento. Así se empieza a tener un interés por lo desconocido y por el mundo de los sueños del hombre.Los fines de este movimiento son evocar la expresión libre de lo más interno del hombre, su inconsciente y su imaginación, todo ello fuera de preocupaciones estéticas o morales. El surrealismo se presta a la representación de ideas como las escenas caóticas, las perspectivas vacías, las situaciones disparatadas y la convergencia de objetos incongruentes.Si relacionamos todo este mundo de ideas abstractas con el mundo del dibujo infantil, podríamos pensar que aparentemente son dos cosas irreconciliables, pero si profundizamos en lo que representa el arte surrealista, nos daremos cuenta de que tiene unos propósitos muy parecidos a los del dibujo infantil, ya que ambas etapas artísticas se basan en la representación del mundo interno que habita en la mente humana.Los niños muchas veces dibujan cosas a las que los espectadores no les ven mucho sentido; realizan representaciones de elementos de forma abstracta, que aunque nosotros creamos que son absurdas o chocantes, pueden estar llenas de un gran significado.
Dos tendencias dividen las obras surrealistas, siendo las dos susceptibles de comparación con dibujos infantiles, como veremos a continuación.

* La orgánica abstracta o no figurativa. Tenemos como ejemplo la obra de Miró titulada “El cazador”, que puede guardar mucha relación con una pintura de un niño, no solo por lo simbólico, sino también por lo estético. Es obvio que las láminas que hay bajo estas líneas son muy similares en cuanto a la estructuración espacial ocupando toda la dimensión del papel, el empleo de colores variados, la disposición desordenada e irracional de las figuras y la forma abstracta de representar los objetos.

* El surrealismo naturalista, engañosamente figurativo. Dentro de esta tendencia, podemos referirnos a “La masía” de Miró, que como veremos a continuación, contiene una serie de características muy propias del dibujo infantil.

En ambos trabajos se observan algunos principios que, como dijimos anteriormente, fueron estudiados por autores como Viktor Lowenfeld y W. Lambert Britain.
- Principio de aislamiento territorial: para cada elemento del conjunto tiene su propio territorio.- Principio de rebatimiento: se manifiesta en una configuración plana de las figuras y la falta de perspectiva en la utilización del espacio. - Principio de aislamiento de partes del todo: en los dos dibujos vemos la inclusión de gran cantidad de pequeños detalles. Esto es propio de estar entrando en una etapa “realista” del dibujo. - Principio de línea base: todo lo que aparece dibujado se asienta sobre una línea de superficie, que es el borde inferior del lienzo.- Visión de rayos x: en el dibujo aparece la parte exterior e interior de las cosas. Por ejemplo, Maria Esther ha dibujado las ramas de los árboles y un nido; en “La masía” vemos el interior de lo que puede ser una granja.

2. SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX

En esta segunda etapa destacamos el fenómeno de la ABSTRACCIÓN: terminada la Segunda Guerra Mundial, se cierra el ciclo de las vanguardias históricas, pero el nuevo arte que emerge será continuador de tendencias relacionadas con la sociedad tecnológica, industrializada y consumista. Se da valor a la expresividad y creatividad del pintor, a su libre proyección psicológica sobre el lienzo y al impacto y originalidad de su obra. Los tamaños de las obras adquieren dimensiones muy grandes, además de nuevas técnicas muy variadas. Esta pintura es de difícil comprensión ya que el objeto al que se pretende representar se encuentra desaparecido. Los materiales tradicionales se sustituyen por serrín, telas, arena, vidrio, etc., que se integran en un todo en la composición dando origen a lo que se conoce como “Tapies”.El arte abstracto, vemos que tiene relación con el dibujo infantil en lo que se refiere a la creación de murales y collages con materiales de relieve que dotan a las obras de volumen. También tiene mucho que ver con la pintura de dedos, chorreada, salpicada, la impresión de distintas texturas utilizando para ello materiales como el corcho, la esponja, la lana, etc. La abstracción en sí viene ya dada por lo que surge en el pensamiento del niño al estar dibujando. A veces representa imágenes de forma subjetiva, inconcreta, indefinida, que hace pensar que lo que ha plasmado es un sinsentido, cuando a lo mejor es la mejor expresión que él encuentra para exteriorizar un profundo sentimiento.A continuación, podemos apreciar algunas de las técnicas más utilizadas en la escuela infantil y primaria en una lámina de Morris Louis. Se trata por un lado, de la pintura chorreada, que consiste en dejar que la pintura corra por el papel volcándolo, y por otro lado, la simetría, que consiste en aplicar colores a un lado del papel y después doblarlo, de modo que la pintura quede impresa en el otro lado del papel de forma simétrica.

3. CONCLUSIÓN

Después del análisis comparativo que hemos realizado entre el arte de todo el siglo XX y el dibujo infantil, podemos afirmar que ambos guardan una curiosa relación. Parece como si esa forma inconsciente y surrealista de concebir el arte pudiera ser, por parte de los pintores vanguardistas, un retroceso hasta su infancia en un intento por hacer parecer más lúdico, sencillo e ingenuo el mundo estresante, impetuoso y cambiante que les rodea.La simplicidad extrema de las formas queda reflejada en obras como la “Mujer sentada” de Picasso comparable en el trazo, con el retrato hecho por una niña de 3 años.

Si nos fijamos, veremos que son muy similares en cuanto a la forma de estructurar la cara y el cuerpo, y a la utilización arbitraria de los colores.También es digno de destacar el gran parecido que guarda la obra “Composición” de Miró con los símbolos gráficos más primarios, los llamados “diagramas de garabateo” que estudió Rhoda Kellogg (1989). Seguidamente, desarrollaremos algunos de estos diagramas, ejemplificados con dibujos.

- Diagramas nacientes: los niños realizan líneas simples que forman cruces y delinean círculos, triángulos y otras figuras. Estas formas no se atienen a los bordes del papel, ni presentan figuras claras.

- Agregados: empiezan a añadir detalles a los garabatos, incluyendo figuras y formas geométricas que representan objetos del mundo real.

- Mandalas: la palabra “mandala” al círculo y a figuras geométricas dispuestas en estructuras concéntricas. Estas estructuras aparecen de forma espontánea en el arte infantil.

En la obra inferior, vemos la representación de lo que podrían ser, en términos de la autora anteriormente citada, “diagramas nacientes”, “agregados”, e incluso “mandalas”, a través de la búsqueda del equilibrio entre las formas onduladas y las líneas rectas.

Por último, diremos que el arte es un lenguaje, es una forma de expresión simbólica que el hombre utiliza para comunicarse, y tanto niños como adultos, dejan plasmados en sus trabajos pictóricos la representación de todo su mundo interior. Luego, toda obra es un regalo que su autor pone en manos de cuantos la quieran admirar en cuanto a que está desnudando su alma para manifestar sus más profundos sentimientos. De la mano del espectador está, acercarse a las obras con ese mismo sentimiento e intentar traducir esos símbolos a palabras tratando de interpretar su significado.

BIBLIOGRAFÍA
- ALONSO, A. (1982): Expresión Plástica en el Ciclo Medio. Narcea. Madrid.
- HERGUEDAS, M.A., GARCÍA, M.A. y ZAFRA, J. (1992): Historia del Arte. Edelvives. Zaragoza.
- KELLOGG, R. (1989): Análisis de la Expresión Plástica del Preescolar. Cincel. Madrid.
- LOWENFELD, V. y LAMBERT BRITTAIN, W. (1980): Desarrollo de la Capacidad Creadora. Kapelusz. Buenos Aires.
- MERODIO, I. (1981): Expresión Plástica en Preescolar y Ciclo Preparatorio. Narcea. Madrid.
- PLAZA y JANES (1978): Enciclopedia Universal del Arte. Tomo 7. Plaza y Janes. Barcelona.
- SALVAT (1975): Historia del Arte. Tomo 10. Salvat. Barcelona.
Artículo Formato PDF

2006-09-08T20:30:00.002-07:00

Batalla de Cascina, de Miguel Ángel

2006-09-08T20:30:00.001-07:00

El Aquelarre, de Francisco de Goya.

2006-09-08T20:30:00.000-07:00

COMPOSICIÓN.

Por composición se entiende el arte de aunar de la manera más conveniente todos los objetos elegidos con la ayuda de la invención. Estas dos cosas no deben ir nunca separadas, puesto que las mejores ideas y la intención más ingeniosa, poco harán si la composición no es buena.
La belleza de ésta depende sobre todo de la verdad, de las oposiciones, del contraste y de la disposición de todas las partes que entran en una obra.
Con todo esto, la invención debe regir convenientemente las partes de la composición, siguiendo cada una su propia distinción.

Rafael Mengs.

Componer es organizar con sentido de unidad y orden los diferentes factores de un conjunto para conseguir de éste el mayor efecto de atracción, belleza y emoción.

texto tomado del libro Composición Artística, de J. DE S´AGARO. ed. LEDA.

2006-09-08T20:18:00.000-07:00

Seguimos con nuestro viaje a través del tiempo, ahora les presento las obras de Toulouse Lautrec, quizas algunas no las hayan visto anteriormente, como los estudios de desnudos y quiza otras si las familiaricen con el estilo particular de este autor.

2006-09-03T17:45:00.000-07:00

pintura acabada. Titulo: "Te has de acordar." 2006. óleo sobre tabla, 30 x 40 cm.

2006-09-03T17:09:00.004-07:00

ahora les muestro una progresion de fotografías de una pintura nueva, el como despues de un dibujo preparatorio, se comienza a colocar el color, primero una base en azul, despues matices que van del verde grisáceo al amarillo mas la obra final arriba.

2006-09-03T17:09:00.003-07:00

estudios de partes del cuerpo

2006-09-03T17:09:00.002-07:00

estudio de desnudo femenino, donde pueden notarse las envolventes rítmicas orgánicas del cuerpo, mísmas que nos dan la sensación de formas y volúmenes del cuerpo, como son los senos, el abdomen, etc, que nos permiten configurar al cuerpo humano con mayor certeza en el movimiento, la dirección y la intención.

2006-09-03T17:09:00.000-07:00

estudio de torso femenino.

aqui un dibujo, cuya finalidad fue la experiemmntación con la tiza blanca, el carboncillo sobre papel amarillo.

2006-09-02T09:37:00.000-07:00

les presento un dibujo hecho en clase que posteriormente sirvió para un estudio al óleo, donde a base del matiz gris, se derivaron todos los colores que juegan en la pintura.

2006-08-26T13:37:00.000-07:00

una imagen de Gustave Doré, grabador decimonónico, uno de los mejores , aqui la caida de Satanás, o el angel caido.

2006-08-24T09:23:00.000-07:00

En sus ojos vi
la inmensidad del mar
donde el loto abre al dia
supe que era
la madre vida.

Tomás González D.

imagen de James Tan.

2006-08-22T19:51:00.000-07:00

Este es un dibujo de Rubens, es el estudio de un león, atención a como se pueden utilizar el fondo de color como medio tono, el carbón y la tinta para las sombras y el temple o tiza blanca para las luces.

2006-08-22T19:13:00.000-07:00

Explicaciones breves.

Toca el turno de explicar algunos de los objetivos que se pretenden alcanzar con los trabajos de dibujo, que son realmente poco entendidos.

1).Dibujo de contorno ciego: este se practica con la mirada absolutamente concentrada en el modelo, sin ver el papel y con el se pretende desarrollar una apreciación del espacio y la forma, asi como despertar la percepción, desarrollando la ubicación de un cuerpo en el espacio, su dirección e intención.

2). Concepto de forma como mancha: este ejercicio nos acerca tanto a la dirección e intención de espacio, como a desarrollar de manera primera, la defición de la forma, un popsible volumen y claroscuro.

3). Contraste Figura- Fondo: dicha práctica, se basa esencialmente en el alto contraste, medio contraste y bajo contraste, lo que nos da indicaciones de los límites de un cuerpo dentro de un espacio, asi como los limites del espacio hacia el entorno.

OJO: en muchas ocasiones el espacio nos puede delimitar un cuerpo sin que este se encuentre trabajado. Así también el encaje de uno o varios cuerpos en un determinado espacio.

4). El Encaje: "encajar" una figura es una referencia a que esta ya tiene dentro del plano una posición, misma que determinará su actitud dentro de una composición. Es el asegurar una forma o figura dentro del espacio y que este le corresponda, otorgándole de profundidad, de volumen por claroscuro, por mancha, por línea de contorno, por color, etc.

Ahora ya podemos desarrollar un trabajo por medio de estos conceptos, podemos encajar una figura, por medio del contraste figura- fondo, dado este por la mancha, por ejemplo.

Todos estos métodos, son más claros cuando nuestro trabajo dibujístico se acerca a la pintura, o en dibujos a base de estudios específicamente, ya que en ellos es más clara la diferencia entre técnicas, solo el contorno ciego es utilizado para apuntes inmediatos, medios o transitivos.

2006-08-22T11:07:00.003-07:00

Estas comparaciones entre una obra de Juan (abajo) y una mía (arriba) es para que se note la importancia de la pintura que estamos realizando los nuevos pintores de México, y en gran parte nuestro interes en el color y su importancia, desde mi punto de vista es lo que define una obra como propia de un pais y de hecho en éstas imágenes los colores se homologan, lo cual puede tomatse como una distinción en nuestra forma muy particular de usar el color.

2006-08-22T11:07:00.002-07:00

Juan de Dios maneja mucho lo que es el arlequín como figura simbólica, aquí una de sus ultimas creaciones, chequen la composición.

2006-08-22T11:07:00.001-07:00

Esta es una imagen de un cuate mio, se llama Juan de Dios, alias el malandrin jaja, aqui chequen el color que utilizo para el fondo y como lo contrasta con el blanco para crear un primer plano.chequen también la armonización de las lineas curvas y rectas.

2006-08-22T11:07:00.000-07:00

Otra obra de mi creación, se titula rascacielos, es un óleo sobre tela y tabla.

Un ejercicio para ver la importancia del color verde dentro de una composición.

2006-08-20T21:13:00.001-07:00

Tareita.

A ver si adivinan de quien es esta obra, quien lo sepa déjelo en comentarios vale.

2006-08-20T21:13:00.000-07:00

En esta ocasión les muestro otra gran obra de arte mexicana, se llama El abrazo, es de Jorge González Camarena, para mi uno de los mejores muralistas mexicanos, en si me interesa que vean la composición, realmente concentrica y el contraste de los colores, mismos que otorgan dramatismo a la obra.

2006-08-16T22:04:00.000-07:00

Hola compañeros, compas, compitas jajaja, les pido que por favor, cualquier duda que tengan, la dejen en los comentarios, o dejen comentarios de como les a parecido la página, además de que temas les interesaria ver aquí, se que mis conocimientos son limitados asi que si me hablan de algo que no se sinceramente les dire "no se", jajaja.

Además de que es bienvenido todo comentario, eso si limiten su lenguaje jajaja, por que esto es público y se que a mucha gente no le agrado jajaja, y que bueno que si no no se alimentría mi creatividad jajaja.

Bueno les dejo ahora con los conceptos siguientes y una poesía de mi autoría, claro que no soy escritor pero algo es algo.

2006-08-16T21:04:00.000-07:00

Conceptos:

1). Esbozo: dibujo o pintura hecho con poco detalle, sin acabar o para servir de base a otro definitivo. este se utiliza en la composicion, cuando las formas y figuras apenas se encajan en el plano, para ver su disposición mas correcta.

2). Bosquejo: diseño provisoional en el que se trazan o apuntan sin precisión los principales rasgos de una pintura u obra creativa.

3). Apunte: dibujo apenas esbozado. este cuenta con elementos que nos señalan las direcciones, intenciones y direcciones de un cuerpo o figura.

4). Estudio: dibujo, pintura o escultura que se hace como ensallo o preparacion para la obra definitiva o como ejercicio para adiestrarse, en el dibujo y la pintura este muestra partes de los objetos o figuras que nos hacen reconocibles el tema tratado, en caso de la figura humana es la disposición de los huesos, musculos, luces y sombras aunados al movimiento del cuerpo, su dirección e intención.

5). Escorzo: tipo de perspectiva utilizada para representar objetos o figuras situados oblicua o perpendicularmente al plano del lienzo o de la pared.

En su mayoria, el esbozo, el bosquejo y el apunte son relaizados con los materiales duros (lápiz, carboncillo, barras, etc.), mientras que el estudio se puede llevar a cabo en color, para asi tener una vision mas general de un trabajo que puede ser trasladado a otros formatos o materiales.

Cuando menciono la palabra "encajar", me refiero al proceso en el cual un dibujo es dispuesto en el plano, así como las técnicas que en el intervienen para generar la sensación de espacio, como el claroscuro (ver más abajo), etc, y de que esté situado en una posición conveniente a la composición que uno requiera.

2006-08-15T21:46:00.000-07:00

Poesía.

En la noche:

Cuando la lluvia nos aplasta
Con su forma de ser.
La vida nos alcanza,
Sin mirar y sin temer.
Entonces es cuando así
Como un sollozo fúnebre
Pienso en ti.
Y en mi se encierran,
Aquellos días de ayer.
Donde tu caminaste
Y no quisiste volver.
Quizás el miedo
Nos atrajo a su luz,
Quizás la sombra
Entro en los ojos,
o en los labios rojos,
Por que si no fuera así,
Aquí estarías,
Y yo para ti.

2006-08-06T20:28:00.000-07:00

he aqui una obra de William Waterhouse, de ella no tengo el titulo, solo le he elegido por su belleza en ejecución y en efectos veanla y disfruten el contemplarla.

2006-08-01T16:39:00.000-07:00

Quizas lo siguiente que escribo y en si la pagina sea un tanto dificil de comprender, y espero que los escritos que estoy presentandoles no sean muy pesados, quizas para aquellos que no han visto el blog o no comprendan muy bien el lenguaje artistico les sea difícil, pero creanme que me esfuerzo por que sea claro.

El escribir este blog, prácticamente es como estar frente a un lienzo en blanco, cada palabra busco que sea significativa, como los trazos en una pintura, claro que las palabras son un lenguaje muy distinto y ahora recurro a ellas para explicar ideas cacerca de la pintura.

tambien hago citas de algunos escritos significativos para mi, y quizas para los demas, tratando de referirme a ellos para una comprension hacia la vida mucho más amplia, asi comienzo esta entrada.

"El cielo y la tierra son permanentemente eternos por que no viven para si, esto es lo que los ha hecho vivir eternamente. Por eso el sabio deja a un lado su Yo, y su Yo avanza, se despoja de si mismo y por eso permanece, Y es asi, por su desinteres absoluto, por lo que logra realizarse".

Tao Te King, Lao Tse.

Tratando de ser pintor: Shen Tsung- Chien

El principiante debe avanzar por el uso del pincel.
El primer paso hacia la adquisición de la cultura consiste en liberarse de preocupaciones.

*De ahi que quienes han sepultado su inocencia espiritual no deben pintar.
*Los que aman el lujo no deben pintar.
*Los que luchan por el poder y el dinero no deben pintar.
*A quienes le agrada complacer el gusto popular no deben pintar.
*Todos estos tipos se encuentran en el re,olino de la moda.

a un artista debe de poseerlo el p´i la pasión de un maniaco.
Esta liberado de los valores opuestos del mundo y ellos no lo arrastran.

¿podrías modelar tu cuerpo y tu alma para que formen la unidad, sin separarse?
¿podrias hacer que tu respiración sea tan suave como la de un niño?
¿pidrias limpiar el espejo de tu mente hasta dejarlo puro y sin mancha?
¿podras mantener la no acción, mando al pueblo y gobernando su imperio?
¿podrías asumir una actitud pasiva, cuando se abran las puertas del cielo y la tierra?
¿podrías comprender an sí todas las cosas sin recurrir a la acción?.

"Producir y darse, crear sin apropiarse de lo creado, actuar sin esperar nada a cambio, multiplicarse sin dominar, tal es la marivillosa virtud, maravillosa y admirable".

Fluir del rio.
Todas las cosas formadas por las fuerzas del universo poseen una expresion, pintarlas significa no solo captar las formas, sino tambien su expresión, se puede intentar apresarlas mediante pocas pinceladas casuales, pero estas solo sugerirían una idea tosca y carecerán de sustancia.
La falla reside en la técnica.
O se puede tratar de hacer resaltar toods los detalles y entonces logrará fácilmente representar los contornos generales de bosques y rocas pero estos pareceran muertos.
La falla reside en la minuciosisdad del detalle.

Los seis caminos para llegar al cielo:

*La creación de una atmósfera semejante a la vida.
*Construcción de una estructura por virtud del trabajo del pincel.
*L a representacion de las formas de los objetos tal cual son.
*Color apropiado.
*Composición.
*la transcripción opcional y copia.

Para conocer el mundo del dibujo.

KUO, La línea de contorno.
P´O, Romper, dejar que la luz y al sombra aparezcan desde el vacio.
TS´UN, Pincelada de tectura, Desigualdad.
TS´A, Pincelada rápida corta.
P´O- MO, Tinta oscura sobre clara, contraste.
PIYUNG, Fusión del pincel, pinceladas que se funden.
MO HUA, Cualidad franca, Goce perdurable.

todo lo anterior son citas que me parecieron muy claras acerca del arte pictorico chino, unas bases bastante claras en la idea, y clarificantes dentro de la práctica de la pintura y el dibujo.

2006-07-08T16:18:00.000-07:00

Ahora les muestro dos obras propias, sus títulos son el deshuesadero y la unidades habitacionales al amanecer, son obras que se crearon en función de llevar a la práctica la teoria que se utilizo en mi tesis, son obras que han tenido un resultado muy satisfactorio y que dejan ver un modo de concebir la actualidad del mundo y de la humanidad en cada caso, el deshuesadero muestra como poco a poco hemos llenado de basura al mundo mientras que las unidades son los lugares donde la mayoria de seres humanos viven en reflejo de esa misma ocupacion por parte de nuestros desechos que cada vez toma mas territorio y nos deja menos lugar para vivir.

2006-07-08T15:59:00.000-07:00

Hay necesidades en esta vida que pocas veces pueden esperar, una de ellas -con importancia relevante- es la necesidad de expresarse de alguna forma tal, que se pueda llegar hacia las personas que nos rodean, es claro que no hay muchos medios hoy dia para la expresión, -aunque asi no lo quieran hacer creer-, ya que pocos son los foros y menores aún mas las herramientas para una expresión humana.

la pintura es una de esas pocas "armas" que se tienen, ya que es un quehacer que se puede lograr en casa, tomando una u otra clase para entenderla mejor, tomando un lienzo y unos colores que a nuestro gusto complascan, además de una idea clara.

Arriba: cabeza de dragón realizada por Leonardo da Vinci.

2006-07-08T15:45:00.000-07:00

PINTURA: ¿PARA QUE?

En esta época, donde el valor de las humanidades y las artes van en franca decadencia quizás por la falta de interés general de las sociedades hacia aquello que no les deje un bien material, o tal vez por los intereses de las grandes naciones en globalizar la opinión y la mentalidad de toda la humanidad, surge esta pregunta: ¿para que sirven las humanidades?. Y en especifico dentro del que hacer artístico: ¿para que la pintura?.

La primer interrogante se resuelve viendo y analizando las tendencias políticas de las ultimas décadas, donde año con año, las humanidades han perdido terreno por su falta de producción, por que ellas no generan una utilidad viable a los gobiernos, claro esta que aquellos que nos dedicamos a estos quehaceres humanos – como la filosofía, el teatro o las artes- no generamos dinero a los gobiernos, ya que no tenemos un empleo donde se nos pueda explotar como los hay en otros ámbitos; por otra parte hay que señalar que somos un problema para los gobernantes- por lo que a ellos toca y por lo que ellos reflejan-, ya que nuestros quehaceres nos obligan a pensar, a razonar y a discernir acerca de diversos temas, estos dentro no solo en nuestros ámbitos, sino con cualquier acontecimiento que nos cuestione y mueva nuestro sentimiento.

Ahora pasemos al cuestionamiento que nos compete: para que la pintura.
La pintura- a diferencia de otras artes-, viene innata en muchos de los seres humanos (y quizás hasta animales),seamos estudiosos y afines a ella o no, esto no quiere decir que todos aquellos que a ella nos dedicamos seamos señalados por el dedo de Dios o iluminados por algún santo que nos deja manifestarnos, no confundamos; me refiero a lo innato por que todos en algún momento hemos sentido inclinación hacia ella, por crearla o por admirarla, por que desde el inicio de los tiempos, la pintura ha sido el medio de comunicación entre seres humanos, es un lenguaje que trasciende las épocas y los gustos.

Recordemos primeramente las pinturas de Altamira, aquellas pinturas de animales y seres humanos enfrascados en cacerías, esta es una manifestación de sus costumbres, que quizás dejaron como enseñanza a los mas jóvenes; que sin embargo al pasar de los siglos siguen ahí y nos siguen diciendo algo, un algo muy importante: “estuvimos aquí”.

Son testimonios palpables del paso del ser humano por la tierra, manifestaciones de distintas épocas, lugares y costumbres, en un principio la pintura fue una de las mas primigenias formas de comunicación (de igual importancia que el lenguaje), así se entendieron los hombres en sus inicios y se daban a comprender, con un valor estético que radica en que fueron ejecutadas de una manera primitiva y sin conocimiento de que sus materiales durarían, sin reglas a seguir, son el mas puro indicio del sentimiento y la capacidad humana para expresar sus pensamientos y sus ideas.

Muchos han sido los factores que con sus manifestaciones han llevado el camino de pintura por distintos senderos, como lo es la iglesia, las costumbres de la sociedad o el agrandamiento de las urbes.

Hoy día se maneja que la pintura ha muerto, por que no ha innovado, -concepto con el que discrepo ya que nos encierra en la ola globalizadota del mundo- visto como un producto a vender y que debe de concordar con la sociedad de su momento; lamentablemente debemos de considerar que si la sociedad en estos tiempos no sabe que rumbo va a seguir y mucho menos tienen una idea de cómo se mueve el mundo, la pintura no puede tomar ese papel, no puede ser un medio de una sociedad sin ideas.

Discrepo con la innovación, por que finalmente todos aquellos que producimos arte lo hacemos –en su mayoría- con nuestras ideas, con nuestro sentimiento y nuestro conocimiento, y no nos importa el crear algo que se venda únicamente sino algo que como nuestros antepasados lo hicieron, deje al mundo la huella de que estamos aquí, de perpetuar el gran valor humano de la comunicación de sentimientos a futuras generaciones.

Ahora bien, en las escuelas de arte, se enseña –en su mayoría- las tendencias ultimas del arte y como los países las llevan a cabo, como sus creadores luchan por unificar movimientos; en cuyo caso también estoy en desacuerdo, por que si surgieron vanguardias en la pintura, estas sirvieron para dar libertad al creador y no creo que tratando de copiar tendencias anteriores a nuestro tiempo logremos un avance (sin negar el valor de la copia de obras del pasado para la ejecución mas precisa de la técnica y la forma),ya que todos aquellos que nos antecedieron lucharon contra la sociedad, la iglesia y el estado para ganar la libertad creativa que necesitaban, libertad que hemos olvidado, o que irresponsablemente no tomamos para no tener que responder de manera ideológica y del genio con obras en las que se encierre nuestro verdadero ser creativo.

Muchas veces he oído la opinión de otros creadores que piensan en ser originales, sin saber que desde su nacimiento lo son, no hay un ser que piense igual que otro, si acaso que concuerden con ciertas ideas, por lo que cada obra que creamos es original por si misma y por que nadie mas la podrá hacer como nosotros y esta idea viene al ver obras de los grandes maestros, por que aun siendo los mejores copistas del mundo, nunca igualaremos al creador original de la obra.

Cada trazo, línea o color son muy nuestros, son nuestros gustos, manifestados estos en el lienzo, que también responde a un gusto compositivo; todo esto aunado a nuestro motivo de creación.

Y tal ves lo anterior también se ha olvidado, pocos tenemos un motivo para crear y menos la idea de cómo abordar la creación; algunos toman como motivo las frutas y por su forma de representación logran dar en ellas una idea distinta, en el caso particular mi interés por el desnudo humano, por el que trato de transmitir ideas y concepciones a partir de la interacción del color, ideas como el dolor de la sociedad y su miseria; son solo un medio, que muchos han olvidado pintando solo por pintar sin un objetivo claro.

Y es aquí donde llego al punto indicado del para que pintar, primeramente aclaro que este escrito es muy propio hacia mi forma de ver la pintura , no lo cierro como un camino a seguir ni mucho menos, sino como una forma de cuestionarnos y de ver hacia donde vamos o podemos ir.

Desde un punto de vista cognitivo considero que la pintura nos guía hacia nuestros gustos mas primitivos, nos dirige hacia nuestra forma de ver el mundo y de comunicarnos con el, estamos en un momento donde nuestra libertad cada vez nos pide mas, o por lo menos nos creemos libres de cierta forma, ahora vemos y elegimos que queremos o que nos gusta, pero aun así nos reprimimos, por que no somos capaces de manifestar en el lienzo lo que realmente nos gusta, y eso lleva a un retroceso en nuestro proceso creativo, ya que seguimos negándonos a lo que nos gusta, o quizás no lo retomamos por la reacción que podemos generar- sin olvidar que la sociedad cada vez mas es guiada hacia una solo forma de comportamiento y todo lo que en ella discrepe es invalido o contrario a sus ideas y por lo tanto incorrecto- ya que la obra de arte tiene un fin, el de generar sentimientos y comunicación entre el creador y el espectador.

Claro que es difícil el llevar a cabo una obra que a mucha gente le disgustará, quizás por que les muestre la realidad de su momento histórico o por que les critique como sociedad, pero es eso el valor del arte, hacer pensar y cuestionarse a aquellos que miren la obra.

Ahora bien, en cuestión de creación, nos hemos olvidado de pintar y crear lo que primeramente nos satisfaga a nosotros mismos, a nuestras inquietudes sin importarnos si estas obras le gustaran a alguien mas o no, sino de satisfacer primeramente la necesidad de expresar nuestros sentimientos y que estos queden claros para nosotros antes de querer que los demás lo entiendan, ya que si no nos conocemos primero a nosotros mismos, es muy difícil que los demás nos conozcan; muy pocos tiene la valentía de crear algo que sea contestatario a la sociedad, muestras de ello son los pintores que sin mas critican a la iglesia o al estado por que ya tienen una idea clara de ambos, o los que por medio de su sexualidad y sus vivencias son capaces de crear obras que dejan ver el otro lado de la moneda, ya no de cómo la sociedad los ve sino de cómo ellos pueden criticar a la sociedad y mostrándole el lado humano que en ellos vive.

Ejemplos de lo antes dicho hay muchísimos, solo ver los intereses de cada pintor o creador para conocerlo, para ver su estética y es eso lo que siento que se ha perdido, nosotros no llegamos a ser capaces de crear lo que en nuestra mente esta por que siempre buscamos parecernos a alguien mas- sin dejar de lado que al crear ponemos hoy por hoy nuestra vida en juego- no podemos contestar a nuestra sociedad por que ella no esta educada a ver otros puntos de vista sino solo a juzgar, criticar y destruir aquello que no es como lo consideran, lo que pone en riesgo a la creación y nos quita una de nuestras posibilidades: la de ser ejemplos de nuestra sociedad dejando el legado de nuestro tiempo a generaciones futuras y es por eso que invito a que se siga creando en base a nuestras ideas, sin copiar a otros y yendo a la mas grande fuente de creación, nuestro propio espíritu y alma.

Pintemos lo que nos guste, que nos refleje y que a la sociedad le muestre que hay algo mas de lo que les venden, que ver y observar van mas allá de enfrascarse en la caja electrónica y en medida de lo posible enseñémosles a ver, a sentir y a que conozcan otro modo de concebir el mundo, desde ellos mismos.

2006-05-24T23:32:00.000-07:00

Javier Marín es uno de mis escultores favoritos, mexicano, contemporáneo; sus esculturas no se como describirlas, es como observar colosos que están en esta tierra mostrando su fuerza y su expresividad, a continuación unas imágenes para que lo conozcan quienes no hayan oido de él.

2006-05-24T22:56:00.000-07:00

Ahora el turno auno de los mas grandes pintores que nuestro pais ha dado, David Alfaro Siqueiros, uno de los más vanguardistas, en cuya obra se engloba la revolución social, cultural y artística, un personaje que nos ha heredado algo muy importante, y no al referirnos en sus técnicas innovadoras, sino en su forma de pensar y de ser fiel a una idea de un mundo más justo, mejor.

"Arriba el Coronelazo."

2006-05-22T23:57:00.000-07:00

Las siguientes creaciones son de la mano de Eduardo Chillida, escultor vasco, que fúe contemporáneo, la maestría de una percepción muy aguda plasmada en diversos materiales como esculturas y una obra pictórica, en las cuales se manifiesta el uso del espacio como generador de formas.

2006-05-22T23:25:00.001-07:00

EDUARDO CHILLIDA

2006-05-20T22:42:00.000-07:00

El arte oriental y el occidental se distingüen de múltiples formas, uno de los motivos que los han separado es que los primeros basan sus creaciones bajo el culto a la naturaleza, de la belleza de la misma, sus trabajos son manifestaciones del espíritu, cada elemento debe de contar no solo con su forma física sino tener un espíritu propio dentro de la obra, ningún elemento esta de más.

Mientras, en el occidente nos hemos esforzado por adquirir la habilidad de representar las cosas, por siglos ese fué nuestro objetivo, hasta la llegada del arte vanguardista que trajo consigo la preocupación hacia la expresión del artista como tal, de la individualidad y originalidad.

Ambas concepciones son muy distintas en cuanto a la teoría aunque en algunos puntos se trastoquen, por ejemplo, la pintura china, además de representar tiene un sentido espiritual, tanto para el autor como para el espectador la imágen que van a ver debe de suscribirse en el Tao o en el Budismo, se debe de pintar poco a poco, hasta lograr por medio de la tinta todos los elementos de una obra, se maneja el concepto de analizar primero lo que se va a pintar hasta comprender su naturaleza, para poder abordarlo de manera correcta, mientras que en occidente se trabaja para lograr las texturas, los colores, las formas significativas; nos adentramos en la representación del cuerpo humano, de los rostros, de las actitudes, todo esto en el arte oriental no tiene sentido, por que lo que se plasma es el espíritu de las cosas, el ser humano no es sino otro integrante del todo, todo tiene importancia, mientras en occidente solo las figuras principales son enfocadas hacia la importancia, de ahí su nombre; lo demas es solo compañía.

En cada caso existe sin embargo la belleza, la armonía, el gusto por lo que se hace.

Hoy en día estas dos manifestaciones del arte se han acercado, pudiendo maniferstarse influencia de ambas, esto se debe en parte al surgimiento de la pintura abstracta, que mediante el simbolo y el signo se acercó a la metodología oriental, la importancia del trazo, de la mancha, de la línea, el color; bases que hermanan con oriente, así por ejemplo tenemos a Antoni Tápies, que con sus texturas, sus líeas y colores bien podria ser comparada su pintura con algún caracter japonés o chino, pintores chinos y japoneses a su ves retoman teorias y técnicas occidentales hoy día para expresarse y transmitir un mensaje más claro hacia esta parte del mundo.

Afortunadamente, este acercamiento nos brinda posibilidades que nunca antes tuvimos, la posiblilidad de entender, analizar, crear y conocer al arte oriental y sus creadores, asi como el darnos a conocer a ellos, compartir ambas experiencias.

personalmente me gustaria aprender de ellos la pincelada Tui, aquella que en un solo trazo sda formas por medios de claros y opscuros de una sola vez, sin repasar una y otra vez sobre la tela, asi como su uso del espacio que es grandioso.

2006-05-20T13:08:00.000-07:00

vemos aqui la obra de Girodet, el manejo de las proporciones y cánones griegos, la importancia de la luz, que envuel ve a los protagonistas.

El sueño de Endimión, se titula.

2006-05-17T21:59:00.000-07:00

CONCEPTOS.

EL PUNTO.

Dentro de las concepciones que podemos encontrar, solo nos interesa la referente a lo gráfico; el punto es la unidad mínima de expresión, es el resultado del choque de un material sobre una superficie, es un inicio, un instante que desatará una expresión.

LA LINEA.

Esta es considerada como una sucesión CONTINUA de puntos en el espacio, una huella dejada por un punto en movimiento; es aquel elemento que nos ayudará a dar sentido de direcciones, formas y figuras para crear en el plano la ilusión de las mismas.

EL PLANO.

Es una superficie que cuenta con un ancho y un alto, que le dan el carácter bidimensional, nuestro propósito es crear dentro de esas dos dimensiones la noción de una tercera: la profundidad, para esto nos valemos del claroscuro, que dota a las imagenes tratadas del volúmen visual necesario.

EL TRAZO.

El trazo se diferencía de la línea en que este cuenta con distintos anchos y delgados, mientras que la línea siempre conserva sus dimensiones, por otro lado, el trazo es expresivo, dota de movimiento y vitalidad a las formas o figuras.

EL VOLUMEN.

El volúmen se logra por medio de los procedimientos técnicos como son el achurado, el tramado, el reyoneado o el circular por nombrar algunos; con el fín de crear en el espectador la noción de espacialidad y tercera dimensión dentro de un dibujo, por medio del claroscuro, descrito más abajo y es necesario para una representación naturalista lo más apegada al modelo que se tome.

EL COLOR.

Dicho elemento es de importancia vital para aqullos que estamos dentro de las artes plásticas, ya que es la materia que nos concede un sin numero de formas de expresión.

El color es un pigmento, ya sea natural o sintético que mezclado con distintos diluyentes, toma la fluides necesaria para ser aplicado en un plano; los principales colores son los llamados primarios: el azul, el amarillo y el rojo, más los tonos neotros blanco y negro. de la combinación de estos se crean todos los colores que percibimos en la naturaleza.

La mezcla de dos colores primarios genera un color secundario, asi si mezclamos los colores entre ellos obtendremos tres colores secundarios, estos son:

1- de la mezcla de azul + rojo= violeta.

2- """" azul + amarillo= verde.

3- """"" rojo + amarillo= anaranjado.

estos mismos se pueden oscurecer con el negro u aclarar con el blanco.

además se pueden oscurecer con el color que no formo parte de la combinación siendo así:

anaranjado oscurecido con azul

verde oscurecido con rojo

violeta oscurecido con amarillo.

a esto es lo que le llamamos colores complementarios, que también pueden estar dentro de un trabajo plástico por separado, no necesariamente oscureciendo al color secundario.

al oscurecer los colores secundarios con los complementarios, generamos a su vez la paleta de los colores terciarios, esto es:

anaranjado + azul= siena.

verde + rojo= sepia.

violeta + amarillo= ocre.

Colores recesivos y colores dominantes.

Los colores recesivos son aquellos que no dominan dentro de una combinación, por lo general es el amarillo, ya que siendo invadido por el azul o el rojo cambia fácilmente a tonos verdes o anaranjados, puede decirse que los colores recesivos son aquellos menos oscuros o dominantes a comparación con otros, por ejemplo el amarilloes recesivo en la mezcla con el rojo formando el anaranjado, el rojo es recesivo en el violeta, el amarillo es recesivo en el verde.

se puede decir que los recesivos pierden su naturaleza y no se pueden ver con la misma luminosidad inicial, mientras que los dominantes conservan parte de sus propiedades de luz, de tono y de saturación.

2006-05-16T19:26:00.001-07:00

Estudio de manos.

este estudio muestra tanto el tratamiento de achurado como el

empastameinto con la tiza blanca, para realzar las zonas de luz.

2006-05-16T19:26:00.000-07:00

Estudio de un León, realizado por Théodore Gericault, pintor romántico francés, aqui la textura por material y por pincelada se conjugan para dar la volumetría, el claroscuro y el esfumado; es un claro ejemplo de arte romantico -realista.

2006-05-16T07:03:00.000-07:00

Un pintor contemporáneo es el que aparece aqui, se llama louis Lebrocquy, me gusta mucho como sus retratos se funden con el fondo, como si emergieran de él, además de que son constituidos por pinceladas muy sueltas, más aparte la luz, que adopto del mediterráneo.

2006-05-15T23:06:00.000-07:00

Para relajarse nada como la grandiosa pintura china paisajistica, aqui una muestra de la maestria en el uso de la tinta china, obra para contemplarse.

2006-05-15T22:44:00.000-07:00

Este San Juan Bautista, creación de Leonardo, es una de las obras maestras del arte occidental, quizás para algunos no sea gran cosa pero tiene mucho valor, este es por que en el lienzo no hay huella alguna de pincel, en rayos equis, no aparece boceto alguno debajo de la pintura, cual si fuera un fantasma plasmado; es la mejor prueba del claroscuro y el esfumato juntos, que crean una sensación tenebrista que tal vez el Caravaggio retomo tiempo después; sin dejar de lado la famosa huella de Leonardo, la sonrisa extraña, quizás diabólica, quizás santa; una pintura simplemente emblemática.

2006-05-15T22:18:00.001-07:00

Gustave Moreau.

Este autor es el principal bastión del movimiento simbolista, ya que su obra, basada en las sagradas escrituras y en la mitología greco- romana, constituye un avance significativo dentro de la historia de la pintura, ya que se acerco por un lado al expresionismo abstracto, y por otro nunca se desarraigó del academismo del siglo XIX, esta obra se titula"Moises abandonado a orillas del Nilo", la perspectiva es dada por el color, llevando los colores luz al fondo y los tonos oscuros al frente, creando así una espacialidad entre el primer plano y los subsecuentes.

2006-05-15T22:18:00.000-07:00

Esta imagen de Rembrandt, nos ayuda a comprender la plástica, a que me refiero con esto: a la capacidad del creador para dar el máximo de efectos que se pueden lograr con un material, en este caso el óleo, podemos ver como esta trabajado el modelado de la cara, como rasgo por rasgo son trazos de color que se entretejen para dar la sensación de una carnación, así mismo los raspados en el lienzo, las veladuras; gran parte de posibilidades de un material como el óleo, aplicadads con maestríay en su justa medida.

2006-05-15T22:06:00.000-07:00

Ahora vemos un autorretrato de Rembrandt, con su magnífico uso del claroscuro, además de un colorido hermoso, armónico.
Gran parte de los detalles de esta obra son pinceladas muy sueltas, texturas con el material y sobreposiciones del color para generar texturas visuales.
Véase como los tonos grises y tierras mantienen la armonía del cuadro, mismos que al contrastar con los tonos de la carnación, le dotan de calidez.

2006-05-15T21:44:00.000-07:00

Esta obra es "La Batalla de Anghiari", de Leonardo Da Vinci, en si nunca se llevo a cabo, este es una copia del original, que pudo realizar Rubens.

Aquí vale la pena que siendo este un estudio-copia de una obra de Leonardo, se abre la posibilidad de imaginar como sería el original.

Es simplemente un trabajo extraordinario.

2006-05-15T21:13:00.000-07:00

Claroscuro,
efectos de luz y sombra en una pintura o dibujo, ya sea monocromo o en color. Suele referirse a una técnica que contrasta zonas brillantemente iluminadas con otras de densa sombra. La sabia combinación de luz y sombra (denominada a veces valores tonales) para conseguir efectos más dramáticos es una característica de las obras de maestros renacentistas del siglo XVI como Leonardo da Vinci y Rafael o de pintores barrocos del XVII como Caravaggio, Georges de la Tour y, de forma muy notable, Rembrandt. El claroscuro es patrimonio casi exclusivo del arte occidental y raramente se observa antes del renacimiento.
Ya dentro del renacimiento, Leonardo Da Vinci, utilizó el claroscuro más el esfumato, cabe señalar que dichos procedimientos son distintos, ya que el primero trata la luz y la sombra, mientras que el segundo se enfoca a la relación de todos los elementos dentro de una pintura, que estén envueltos en la misma atmósfera, que todos los colores se fundan hacia el fondo y que entre ellos no existan contornos que les separen.

Perspectiva,
método gráfico capaz de representar el espacio tridimensional sobre una superficie plana. Aquí se presentan las tres perspectivas planteadas por Leonardo; la geométrica o lineal, la aérea, la dada por color.
La perspectiva lineal es el sistema de representación que más se asemeja a la visión humana. Una de sus leyes fundamentales es la de que las rectas paralelas se representan como convergentes: las vías del tren, que parece que se acercan a medida que se pierden en la distancia. Los elementos más importantes de este tipo de perspectiva son el plano del cuadro (la superficie de representación), la línea del horizonte, situada a la altura del punto de vista (los ojos del espectador), y los diferentes puntos de fuga, donde convergen, sobre la línea del horizonte, las rectas horizontales más importantes de la figura.
La perspectiva aérea es una técnica, empleada habitualmente en la pintura realista, consistente en simular el efecto atmosférico que se percibe al comparar los objetos de acuerdo con su lejanía. Así, por ejemplo, las montañas que aparecen al fondo de un paisaje pierden definición y adquieren un tono azulado, como si entre ellas y el observador se interpusiera una gran masa de aire. En este tipo de perspectiva el enfoque es que conforme se alejan los objetos, pierden su definición, sus contornos y en casos sus formas, por acción del aire o espacio que esta entre ellos, así mismo se reducen en tamaño conforme se alejan.
Por último, la perspectiva por color, que plantea que todos los colores se tornan hacia el azul mientras más se alejan del primer plano.

Dibujo,
representación gráfica sobre una superficie, generalmente plana, por medio de líneas o sombras, de objetos reales o imaginarios o de formas puramente abstractas. El dibujo suele hacerse a lápiz, tiza, tinta o carboncillo, o combinando algunos de estos procedimientos.
La delineación de la forma sienta las bases de todas las artes visuales (incluso la escultura), por lo que el dibujo es una de las ramas más importantes de estudio en las escuelas de arte y arquitectura, así como en las de ingeniería. No obstante, este artículo se refiere al dibujo artístico, en comparación con el dibujo técnico.
2. DIBUJO LIBRE El dibujo de los objetos visibles consiste esencialmente en el registro de la impresiones recibidas a través de la vista. Sin embargo, dado que no es posible presentar en un plano todos los aspectos visibles de un objeto, el arte del dibujo radica en la sugerencia, estimulando la imaginación del espectador para aportar lo que falta en la representación. La elección sobre qué registrar y qué omitir requiere una sensibilidad visual que se desarrolla con la experiencia. Un apunte es un dibujo que sólo muestra, de forma resumida, los detalles esenciales del objeto representado. En un buen apunte, el artista no sacrifica la aproximación de su impresión visual por conseguir un acabado pulido.
Los diferentes estilos de dibujo se distinguen por las formas en que se superan las limitaciones que impone el material monocromático con el que se trabaja. En los bosquejos, y en algunos apuntes, sólo se representan los contornos, los ángulos sobresalientes o los rasgos del objeto o escena que se representa. El arte chino y el japonés (véase Arte y arquitectura de China; Arte y arquitectura de Japón) constituyen un admirable ejemplo de la fuerza que tiene la línea pura, incluso sin color, para sugerir el más variado modelado de superficies y para recoger los detalles más minuciosos. Por otra parte, las escuelas occidentales han dado mayor importancia a los valores tonales, en la representación de las gradaciones de claro a oscuro. Los artistas europeos han procurado conseguir los efectos deseados por medio de las gradaciones correspondientes en los tonos monocromos del dibujo. Es posible incluso sugerir, o interpretar, diferentes colores por medio del blanco y negro, representando cuidadosamente sus valores aparentes; por ejemplo, un rojo oscuro se indica con un sombreado más oscuro que el que se emplea para sugerir un azul claro o un amarillo. Los grandes artistas del renacimiento están a medio camino entre los exponentes japoneses de la línea pura y los modernos intérpretes occidentales de los valores tonales. Los dibujos de Rafael, Leonardo da Vinci y Miguel Ángel son notables por su pureza, vigor y delicadeza de líneas, así como por la maestría con que representan los volúmenes a través del sombreado.

Grisalla,
técnica de pintura al óleo en la que se emplean únicamente tonos grises o neutros. La grisalla produce un efecto monocromático frío y sólido, que se ha utilizado desde el periodo gótico para hacer que una pintura bidimensional parezca un relieve, escultura o arquitectura tridimensional. Se encuentran excelentes ejemplos de esta técnica en la obra de los pintores flamencos Jan van Eyck y Petrus Paulus Rubens, y del pintor italiano Andrea Mantegna, entre otros. La grisalla se ha usado también con éxito en la pintura al fresco y en las vidrieras, y en algunos casos sirve como referencia en el dibujo subyacente.

TÉCNICAS PICTÓRICO- DIBUJÍSTICAS.

Acuarela,
pintura realizada con pigmentos disueltos en agua. La característica que distingue a la acuarela es su transparencia; la superficie del papel resulta visible a través de sus finos colores, creando un efecto velado, muy diferente del grosor y opacidad de la pintura al óleo y de otros pigmentos disueltos en aglutinantes más densos.
Las acuarelas se obtienen por aglutinación de pigmentos secos en polvo mezclados con goma arábiga, que se extrae de la acacia y que solidifica por evaporación, pero que es soluble en agua. Las acuarelas, en estado sólido, se disuelven en agua y se aplican sobre el papel con un pincel. Si bien la acuarela es un tipo de pintura relativamente moderno, a lo largo de la historia se han utilizado diferentes pinturas a base de agua. Se puede considerar que las primeras acuarelas son los papiros del antiguo Egipto, y los tempranos dibujos orientales a tinta son en realidad una forma de acuarela monocroma. En la Europa medieval, se empleaban pigmentos solubles en agua aglutinados con un densificador derivado del huevo para los manuscritos miniados; de la misma manera, los frescos medievales estaban pintados con pigmentos mezclados con agua espesados con pintura blanca opaca. Posteriormente surgieron otros tipos de pinturas opacas solubles en agua, muy cercanos a las acuarelas, como el gouache, que se sigue empleando en la actualidad.
Normalmente se considera que las verdaderas acuarelas más antiguas son los estudios de paisajes y de animales realizados en el siglo XV por el maestro alemán Alberto Durero, quien terminaba a la acuarela sus dibujos a pluma sobre temas de historia natural. Estas obras no constituyen la mayor parte de su producción, pero se les considera ejemplos clásicos de dibujos de la naturaleza, detallados y precisos. Los artistas de los siglos XVI y XVII sólo utilizaban de forma ocasional las pinturas al agua y la costumbre era emplearlas en monocromo. El bistre (pigmento marrón, café, obtenido del hollín) y la sepia (pigmento negruzco procedente de la tinta de calamar) tuvieron una preponderancia momentánea en las obras del artista francés Claudio de Lorena y del maestro holandés Rembrandt, quienes los utilizaban para crear expresivos efectos atmosféricos de nubes y cielo en sus dibujos de paisajes a tinta. No era frecuente el uso de pinturas al agua, por lo que se encuentran únicamente en las obras de unos cuantos maestros relativamente menores, como Hendrick van Avercamp y Adriaen van Ostade.
La acuarela sufrió la evolución más importante de su historia en Inglaterra, en la segunda mitad del siglo XVIII, coincidiendo con el desarrollo, que además la intensificó, del romanticismo, que glorificaba la naturaleza y la belleza natural. Además de ser la técnica más conveniente para la pintura al aire libre (por su rápido secado), la acuarela era sobre todo adecuada para representar los temas románticos favoritos, como cielos tormentosos, niebla y bruma, y espesos follajes. Al principio, los acuarelistas ingleses seguían la tradición holandesa y se servían de aguadas de color para realzar sus dibujos a pluma o a lápiz. Sin embargo, a mediados de la década de 1700, la técnica de la acuarela se libró de esas ataduras —sobre todo con la obra innovadora de Paul Sandby—, y los artistas empezaron a aplicar la pintura directamente sobre el papel sin atenerse a contornos previamente dibujados. Esta evolución marcó la madurez de la acuarela como modalidad artística y se hizo muy popular. Los temas abarcaban mucho más allá del paisaje, incluyendo las composiciones místicas de William Blake y las sátiras sociales de las caricaturas de Thomas Rowlandson.
En manos de algunos artistas, la naturaleza pastoril y apacible de la acuarela fue sustituida por el drama, la grandiosidad y lo sublime. John Robert Cozens, por ejemplo, realizó acuarelas muy evocadoras de los Alpes suizos y ejerció una importante influencia sobre los dos grandes maestros ingleses de la acuarela, Thomas Girtin y Joseph Mallord William Turner. En la primera mitad del siglo XIX, este último alcanzó una brillantez y luminosidad que no ha encontrado parangón; para describir sus acuarelas se decía que habían sido “pintadas con vapor teñido”.
En el siglo XX, la acuarela ha tenido un papel relativamente pequeño, destacando ocasionalmente en la obra del postimpresionista francés Paul Cézanne y del vanguardista suizo Paul Klee. Sin embargo, en general, ha quedado eclipsada por sus parientes más brillantes y expresivos, el gouache y la pintura acrílica.
Pintura al temple, técnica pictórica que consiste en disolver el pigmento en agua y templarlo o engrosarlo con huevo, caseína, goma o una solución de glicerina.

TEMPLE
La pintura al temple es la técnica pictórica más antigua que se conoce; las pinturas murales del antiguo Egipto y de Babilonia, y las del periodo micénico en Grecia, están probablemente realizadas al temple con un aglutinante de yema de huevo, al que en algunos casos se añadía un poco de vinagre. Posteriormente el empleo del temple se extendió por Europa y alcanzó su culminación en Italia. Pintores florentinos de los siglos XIII y XIV, como Giotto, Cimabue y sus contemporáneos, solían utilizar esta técnica sobre una preparación de yeso blanco. Antes de pintar una tabla, de álamo, tilo o sauce, era necesario llevar a cabo un laborioso proceso. En primer lugar se rellenaban las fisuras con una mezcla de apresto, o cola, y serrín. A continuación se cubría la tabla con un lienzo fino, que se sujetaba con apresto, y se revestía toda la superficie con un yeso espeso, conocido como gesso grasso, para aplicar finalmente, con brocha, una capa más fina llamada gesso sottile que constituía la superficie pictórica.
La superficie era muy absorbente, lo que obligaba al pintor a trabajar con gran rapidez y seguridad. El resultado era una superficie de gran suavidad, aunque la gama de colores estaba limitada. Las pinturas al óleo empezaron a sustituir al temple en el siglo XV.
Los pintores renacentistas italianos molían los pigmentos a mano y una vez conseguido el polvo lo mezclaban con el aglutinante. Hoy, este tipo de pinturas se están volviendo a poner de moda pero ya vienen envasadas y lo único que hay que hacer es añadir agua u otro aglutinante, generalmente caseína. Las pinturas al temple son opacas y mates y mantienen el color inalterable durante mucho tiempo.

Pintura al óleo, arte de aplicar colores disueltos en aceites secantes sobre una superficie para crear un cuadro. La pintura al óleo se desarrolló en Europa a finales de la edad media y gozó de gran aceptación por su mayor simplicidad de manejo y las posibilidades más amplias que ofrecía, en contraste con los agentes aglutinantes existentes a la sazón, como la cera de la encáustica, el huevo del temple, la goma arábiga de la acuarela y los de la pintura al fresco. La pintura al óleo se seca relativamente despacio con poca alteración del color, lo que permite igualar, mezclar o degradar los tonos y hacer correcciones con facilidad. El pintor no está limitado a las pinceladas lineales, sino que puede aplicar veladuras, aguadas, manchas, vaporizaciones o empastes (pigmentos muy espesos). El artista es libre de cambiar y de improvisar sin verse restringido a un dibujo preparado de antemano. El óleo permite obtener efectos de gran riqueza con el color, los contrastes tonales y el claroscuro.

Encáustica, pintura realizada con pigmentos mezclados con cera caliente o, más recientemente, con resina. Tiene la finalidad de fundir el pigmento en la superficie, produciendo así un acabado de gran duración. La encáustica (del griego enkaustikos, 'marcado a fuego') era una de las técnicas pictóricas más utilizadas en el mundo clásico.
Los antiguos griegos y romanos calentaban la superficie a pintar y la paleta con quemadores de carbón vegetal y trabajaban con una espátula de metal de dos extremos o con un pincel. Algunas veces grababan el dibujo con el extremo caliente de la espátula y después rellenaban la incisión con pintura. El enciclopedista romano Plinio el Viejo, en el siglo I de nuestra era, describía la técnica, ya entonces antigua, de hacerlo sobre marfil, y observaba también que la encáustica constituía un acabado efectivo para los barcos por ser resistente a las inclemencias del tiempo y a la sal. Entre los ejemplos de pintura encáustica que han llegado hasta nosotros, se encuentran los retratos pintados en los sarcófagos de madera hallados en las tumbas egipcias de Fayum (siglo I a.C.-siglo III de nuestra era) y los murales romanos descubiertos en Pompeya. La encáustica seguía siendo el método más utilizado en el principio de la era cristiana (250-600) y uno de los ejemplos más notables es la Virgen con niño entronizados del monasterio de Santa Catalina del monte Sinaí, en Egipto.
Esta técnica cayó en desuso en el siglo VIII o IX y nunca ha sido resucitada en serio, con excepción de una breve reaparición en Alemania, en el siglo XIX, para la pintura mural. En el siglo XX se ha venido aplicando con cierto éxito para la pintura mural y sobre tabla. En la actualidad, se añade resina a la mezcla para endurecerla y facilitar su aplicación y todo el proceso se simplifica gracias a la paleta que se calienta eléctricamente.

Gouache,
una acuarela de pigmentos opacos en lugar de los pigmentos translúcidos de las auténticas acuarelas. En el gouache los pigmentos están aglutinados con cola o mezclados con pigmento blanco. Aunque carece de la delicada luminosidad de la auténtica acuarela, es más sustancioso que ésta y su textura se parece a la de la pintura al óleo. Además, la tendencia de los colores del gouache a aclarar a medida que se secan permite una amplia gama de efectos nacarados o tipo pastel.
Los primeros en emplear este procedimiento fueron los antiguos egipcios que utilizaban miel para aglutinar sus pigmentos. Su uso estaba muy difundido en la edad media para la iluminación de manuscritos y alcanzó verdadera popularidad en el siglo XVIII; el pintor francés François Boucher explotó con gran habilidad sus tonos nacarados. Los artistas del siglo XX han utilizado mucho el gouache porque permite conseguir empastes espesos, ideales para lograr efectos más expresionistas. En la actualidad es también conocido como témpera.

Pastel,
barra de color fabricada con pigmentos en polvo y otra sustancia cohesiva, como goma o resina; se utiliza principalmente en dibujo. Posee la particularidad de no utilizar ningún aglutinante, por lo que el color de la barra es el definitivo. A cambio, tiende a ser alterado con facilidad y necesita de un fijador para su total adherencia al soporte, que suele ser papel. Tiene su origen en Italia durante el siglo XVI como evolución de la tiza de dibujar. Sin embargo, su época de máximo esplendor fue el siglo XVIII con artistas como La Tour y Chardin. Con el movimiento impresionista, durante la segunda mitad del siglo XIX, volvió a recuperar su popularidad. Se encuentran destacados ejemplos de esta técnica en la obra de Edgar Degas, Auguste Renoir y Toulouse-Lautrec.

Tinta,
toda sustancia pigmentada, líquida o viscosa, que se utilice en la escritura, la imprenta o el dibujo. La composición y consistencia de la tinta depende de los usos a que esté destinada. Sin embargo todas las tintas contienen dos componentes básicos: un pigmento, o tinte, llamado colorante, y un aglutinante, el líquido en el que se dispersa el pigmento. Los tipos de tinta más comunes son los de escribir, de dibujar, de imprenta y las tintas invisibles. Muchas tintas sólo se diferencian de las pinturas en el uso a que están destinadas.

Fresco,
técnica o arte de pintar con pigmentos de origen mineral resistentes a la cal y empapados de agua sobre un muro con revoque de yeso todavía mojado, es decir, fresco. En el renacimiento este proceso era conocido como buon fresco o ‘a la italiana’ para diferenciarlo del fresco secco, que se realizaba sobre el enlucido seco. A veces se aplica inadecuadamente este término al temple, en el que los pigmentos se mezclan con huevo u otra sustancia aglutinante y se aplican directamente sobre la mampostería.
En el buon fresco, se aplica el color en la última de las varias capas de yeso. En la penúltima, el pintor superpone un dibujo preparatorio, o cartón, de la obra, aunque también puede trabajar sobre un esquema de color independiente. A continuación, refuerza con acuarela oscura las diferentes figuras y formas del cartón y aplica la última capa de yeso sobre el dibujo por pequeñas zonas, y el color sobre el yeso mojado. Al secarse, la cal contenida en el yeso reacciona químicamente con el dióxido de carbono del aire, formando una película de carbonato de calcio que une de forma estable los colores a la pared. Los colores de un fresco suelen ser poco densos, translúcidos y claros y, en muchos casos, tienen una apariencia calcárea. En el renacimiento se encontró el modo de dar un poco más de opacidad a los colores.
En el buon fresco es necesario pintar rápidamente, limitándose a lo esencial. El artista debe saber la cantidad de color que absorberá el yeso. Demasiada pintura hace que la superficie se agriete y hace necesario levantar la zona defectuosa, extender yeso fresco y volver a pintar.
En el fresco secco hay que proceder a quitar la corteza de yeso seco, frotando con piedra pómez, para después lavarlo con una mezcla clara de agua y cal. Los colores se aplican sobre la superficie resultante. El efecto del fresco secco es inferior al del buon fresco, pues los colores no resultan tan claros, ni la pintura tan duradera.

La superficie pictórica consiste en un soporte, que puede ser una tabla o un panel compuesto, o más frecuentemente, una tela de lino, algodón o yute tensada en un bastidor o encolada a una tabla. El soporte va cubierto con una preparación, hecha con una fina capa de yeso y cola o apresto. La preparación hace que el soporte sea menos absorbente y proporciona una superficie pictórica que no es ni muy áspera ni muy suave; puede ser blanca aunque generalmente se aplica encima una capa de color, que suele ser gris, castaño oscuro o rojiza.
Para pintar al óleo se procede, tradicionalmente, por etapas. En primer lugar se bosqueja el dibujo sobre la preparación a lápiz o a carboncillo, o con pintura diluida en trementina. Después se rellenan las amplias zonas de color con una pintura fluida, y se van refinando y corrigiendo sucesivamente con pintura más espesa a la que se añade óleo y aceite. Normalmente se usan pinceles de cerdas duras, aunque se pueden utilizar brochas más suaves de pelo de tejón o de marta; también se puede emplear una paleta o espátula ancha y flexible, o los dedos. Este proceso puede durar desde pocos días hasta meses o incluso años.
Una vez seca la pintura, se barniza para protegerla de la suciedad y para dar más vida a los colores. Todos los barnices terminan por oscurecerse, por lo que deben ser de fácil eliminación para volverlos a aplicar.

Fuentes de información:
Max Doerner. Los materiales de pintura y su empleo en el arte.
Leonardo Da Vinci. Tratado de la pintura.

2006-05-13T21:52:00.000-07:00

Saturnino Herrán, uno de mis artistas mexicanos favoritos, más que don Diego, dejo una obra inconclusa por su muerte prematura, y pienso que de no haber sido por eso quizas para Mexico y el mundo el seria uno de los más grandes, por su forma de reinterpretar la belleza clásica con la temática indígena.

Aqui podemos observar diversos contrapostos clásicos, pero con el cambio de facciones más terrenales e indígenas en los rostros de los personajes, cual si quisiese por medio de esta obra, regresar a la grandiosa belleza de nuestro pueblo, a la elevación de nuestra raza.

En si considero esta obra como un signo de la importancia anatómica del cuerpo humano como expresión, para una representación convincente de sentimientos, de hecho y muy personalmente al verla llega a mi un sentimiento de melancolía.

2006-05-13T20:58:00.000-07:00

Aqui tenemos como muestra la pintura de Rembrandt.

"EL pintor en su estudio", un ejemplo de composición por medio del espacio y la luz.

Si miramos bien la luz, en específico las zonas de mayor intensidad, crea contrastes con las zonas sombrías, que sin embargo cuentan con color dentro de sí, no hay sombras que lleguen hasta un punto de indefinición.

Por otro lado, el caballete que figura en el primer plano, por sus angularidades y dimensiones, nos invita a mirar hacia adentro, las líneas diagonales del caballe te son las que dan toda la profundidad a la obra.

en cuanto al color, maneja los frios al fondo, aún su figura esta trabajada así, tras de él, el color se torna marrón oscuro que se acerca a tonos fríos y poco a poco se entrelaza a los cálidos; llegando al frente otra vez dominan los marrones, lo que por color nos genera una espacialidad entre el caballete y el pintor, reforzada por el tamaño de la figuras, y aqui una lección para recordar, siempre que en un primer plano se maneje una figura dominante a lo alto, nos generara espacio hacia el fondo de nuestra composición, esto ayuda a crear espacios. Si la figura dominante la manejamos en tonos bajos, el fondo sera siempre mas agradable en tonos altos y visceversa.

2006-05-02T21:27:00.000-07:00

en este apartado elegi algunas de las pinturas chinas que mas me han gustado para mostrarselas, yo soy muy afecto a la cultura china y japonesa, claro sin dejar de lado las raices de mi pais, espero que disfruten mucho.

gran parte del poder del arte es el crear en el espectador una conciencia, los chinos en particular se enfocan a que todo en el mundo se complementa con su opuesto, dew ahi el ying y el yang, basado en esto, sus pinturas conceden tanta importancia a lo que en ellas plasman como en el vacio que respetan para que la obra este completa.

en este caso la pintura esta en blanco y negro, todo el claroscuro solo es dado por la descarga de la tinta ya sea sobre el papel o la tela (seda), por medio de pinceladas que dan el claro y el oscuro de una sola vez, y como vemos el espacio es muy importante.

a la izquierda vemos una pintura a color, donde se aprecia que este no es claroscurado, por lo tanto la perspectiva es dada por medio del color luz (la luminosidad y claridad de cada color), ya que los colores son aplicaqdos de forma separada, y al verlos el ojo es el que determina el claro oscuro, la perspectiva se logra por medio deescalera y en orden de figuras por jerarquias (las mas importantes van al frente y disminuyen segun su importancia).

2006-04-10T21:09:00.000-07:00

Por medio de este blog, me propuse (y espero cumplir, cuando menos conmigo mismo), en mostrar parte de mi trabajo como pintor, de que se conozca la obra plastica que realizo como una salida hacia las inquietudes acerca del arte en Mexico, mostrar otra cara(tal vez no la mas experimentada), una cara actual de las preocupaciones acerca del arte mexicano y de su proyeccion al mundo global que nos absorbe.

es uno de los fines el que se pueda ver obra actual producida en mexico como reflejo a las anteriores vanguardias, la preocupacion personal hacia un nuevo desarrollo profesional dentro del campo de la pintura.

Se citaron y citaran diversas opiniones acerca del arte o en especifico de la pintura vistos desde el ojo del pintor, centrandose hacia los conceptos orientales referentes a esta, ya que parte de los trabajos aqui presentados fueron concebidos desde esos preceptos, asi como las opiniones acerca del color, el material o el proceso de trabajo propio o extraido de obras escogidas por su contenido.

para cualquier duda o comentario personal pueden contactarme en las siguientes direcciones electronicas:

tomas_gonzalez39@yahoo.com o a quemasque@hotmail.com.
cualquier comentario u informacionseran bien recibidos.

atte: tomas.